Comentarios 6 Temporada

Una palabra tuya

Por Pilar Berben - 9 de Junio, 2009, 19:27, Categoría: Comentarios 6 Temporada

Hace unos años, la escritora española Elvira Lindo no sólo consiguió el XIX Premio Biblioteca Breve por “Una palabra tuya”, sino que también logró, a través de esta novela, dejar una huella en sus lectores.  Una de las personas que se sintió cautivada por esta historia fue la cineasta Ángeles González Sinde, presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, quien decidió adaptar la obra a la pantalla grande y hace un año comenzó  el rodaje de esta su segunda película como directora de cine, estrenada el pasado mes de agosto.

La filmografia como guionista de Ángeles González-Sinde, es muy extensa. Destacaremos su Goya al mejor guión en 1997 por “La buena estrella”. En colaboración con Alberto Macias escribe para la televisión en varias series muy conocidas como Truhanes, Turno de oficio, Cuéntame como pasó…. etc.

Aparte de cine y televisión, ha escrito la novela “Rosanda” y “El arte de birli-birloque”, Premio Edebé de Literatura Infantil. En teatro es autora de la comedia Rulos en colaboración con Alberto Macías y dirigida por Fernando Soto, así como “Prohibido besar” una función para niños estrenada en marzo de 2007. También desarrolla una intermitente actividad docente en escuelas de cine.

Una Palabra Tuya, es la historia de Rosario (Malena Alterio) y Milagros (Esperanza Pedreño), dos jóvenes amigas barrenderas con el rostro de dos personajes televisivos muy populares, Belén, la novia de Emilio en "Aquí no hay quien viva" y la entrañable Cañizares, de “Camera Café”, aunque ambas comediantes, en esta ocasión se atreven con el drama, siendo buena su interpretación.

 Habla de la amistad inquebrantable entre dos mujeres. Dos vidas corrientes, con muchos tropiezos, desilusiones y dificultades, de la dureza de la vida y de cómo afrontan los problemas desde ópticas muy diferentes. Dos amigas que se pelean, se divierten, se quejan …. y “el proceso de maduración que van desarrollando”, explica González Sinde, quien aclara que se trata de un filme esperanzador.

La primera es una urbanita de nuestro tiempo, dubitativa, ni bondadosa ni malvada, enfadada con el mundo y tiene motivos para ello. Está atrapada por una existencia que no le corresponde porque tenía otras expectativas, otros objetivos y ve que no se han cumplido. Sus esperanzas profesionales son nulas; su madre tiene problemas de salud y su vida es una total insatisfacción.

 Malena Alterio interpreta con contención este personaje creíble. Con su actuación nos brinda buenos  momentos del film y supera brillantemente la prueba de ser protagonista principal, haciendo honor a su apellido.

Su compañera de reparto, Esperanza Pedreño tiene un papel más arriesgado. Es la diferente, un personaje lleno de matices que tendremos tiempo de comentar ampliamente en nuestro debate. Da vida a Milagros, una mujer que inicialmente se vende como feliz e inocente pero que tiene el alma más destruida que su amiga Rosario, aunque no por ello se priva de decir a su amiga verdades como:  “La distancia que interpones entre tú y el mundo se llama arrogancia”, en la excelente escena de la primera discusión entre las protagonistas. La directora dice de este personaje que: “Consigue conmovernos desde la ternura”.

Entre ambas, está el tierno y entrañable Morsa (Antonio de la Torre), el contra punto masculino, “un hombre (dice él)  conectado con la vida". Morsa aporta luz y sensatez. Él no tiene fantasmas, y eso le permite disfrutar el presente. "Me gusta mucho ser el chico en una película de chicas", bromeó el actor.

Tendremos oportunidad de hablar de la sobreactuación (según mi criterio) del personaje Cosme …. poco creíble y un poco engolada, así como del resto de los personajes.

Cinta intimista, sobria  y de calidad, muy de nuestro tiempo, donde se presta atención a los sentimientos de los protagonistas, así como a temas universales: el miedo, la soledad, la enfermedad, la sexualidad, la maternidad, los problemas sociales, la dificultad para conseguir empleo ...

Teniendo en cuenta que es la adaptación de un libro, es lógico que tenga mucho dialogo, pero el desarrollo de la acción es dinámico y  la realizadora ha sabido darle ritmo con escenas muy cortas y con mucha armonía, así como  construir un relato cinematográfico donde el tiempo avanza y retrocede en todo momento y consigue que te quedes pegada a la butaca y sigas con intensidad las peripecias de las protagonistas.

Lo hace en tono de tragicomedia, tratando temas durísimos con un cierto humor en una medida muy acertada. Avanza como una comedia tristona y con poca gracia hasta que, en un par de giros el drama se apodera de la pantalla. En ese último tercio se suceden  secuencias logradas, intensas e impactantes.

Algunos críticos opinan que el guión no termina de profundizar en ninguno de los dos personajes es posible que para no resultar excesivamente dramático.

 

Otro punto destacable es la elección de las localizaciones en la ciudad de Madrid y en el resto de exteriores. El Madrid fotografiado por David Omedes presenta tomas y posiciones de cámara sorprendentes e inusuales, y los lugares están exquisitamente escogidos. 

La música también tiene su hueco con una acertada banda sonora  y hay un par de temas de los que se quedan en la cabeza al salir del cine.

Sin duda, no estamos ante una obra maestra ni mucho menos pero no merece pasar desapercibida. “Una palabra tuya” es una bocanada de aire fresco, cine cercano que nos permite adentrarnos en el difícil y complicado universo de los sentimientos y en el que se cuela de sopetón un rayo de esperanza en medio de la sobredosis de tristeza.

Como ya he comentado son muchos los temas  que plantea la película, pero llama la atención que la Directora destacara en una rueda de prensa  “la espiritualidad y religiosidad”, aunque no debería sorprendernos porque el título, tanto del libro como de la película, corresponde a una oración: “Una palabra tuya bastará para sanarme”.

Por último, permitirme una pequeña reflexión con esa  mirada analítica que anima esta tertulia.

Cuando ya no podemos mas los humanos y no sabemos qué hacer con nuestra vida recurrimos a los dioses ¡Qué más quisiéramos los psicoanalistas que una palabra bastara para sanar!

El psicoanálisis reconoce la dignidad humana de las palabras que se pronuncian. Es un lugar para hablar, pero en este espacio hacen falta muchas palabras  para reconstruir lo que ha sido olvidado a partir de las huellas que ha dejado tras de sí, para hablar del malestar imposible de soportar, para ser capaz de abrir nuevos horizontes, perder el miedo a no vivir lo suficiente,  o a pasarse de la raya. En definitiva, tomar las riendas de la propia vida. Y cuando no es posible suprimir los signos del sufrimiento, llevarlos a mejor destino.

Os animo a que veáis esta película  y  vengáis a participar en esta nueva cita de nuestra ya veterana tertulia para que todos nos podamos enriquecer con las palabras de los demás. 

 

Pilar Berbén.

 

Antes que el diablo sepa que has muerto

Por Pilar Berben - 9 de Junio, 2009, 19:24, Categoría: Comentarios 6 Temporada

A sus casi 85 años y con un Oscar honorífico, el veterano  Sydney Lumet ha hecho una película que nadie esperaba ya.

En medio de un vasto conjunto de thrillers “de serie” que nos hacen tragar en la actualidad, tan previsibles como tópicos, Lumet ha tenido que volver para enseñarnos a todos cómo se hace.

Interpretada por: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank),Albert Finney y Marisa Tomei.  Lumet sabe muy bien que por el tipo de trama propuesta, el peso de los actores es inevitable. Y por suerte, el trabajo de Philip y Ethan es sencillamente magistral.

En cuanto a la dirección y la fotografía, decir que están bien es decir poco. La claridad de ideas y el alarde de experiencia se hacen presentes en toda la película. Lumet hace lo que le da la gana, sabiendo cuándo tiene que usar primeros planos, cámara en mano y presumiendo en cuanto puede de esos planos típicamente Lumet. A esto se le une la perfecta música de un inspirado Carter Burwell.

Lo mejor es lo bien perfilados que están los dos hermanos. Andy es calmado pero visceral, y su tendencia a permanecer tranquilo ante las adversidades le juega malas pasadas en momentos puntuales, mientras que Hank se deja llevar más por el miedo y la duda, aunque sus actos son coherentes y le ayudan a sobrevivir. Pero la sorpresa es la del papel de Albert Finney que encarna al padre afligido de ambos, y que si bien al principio es un personaje menor, en la segunda mitad se lleva un par de escenas y deja a todos con la boca abierta. En definitiva, un trío protagonista con una actuación impecable. Quizás falla en la parte correspondiente a la exuberante Marisa Tomei, que hace de mujer de Andy, sin aportar prácticamente nada a la trama, excepto alguna escena sexualmente explícita o su condición de contrapunto en la relación entre los hermanos.

 Algunos críticos comentan que esta película combina lo mejor de  Atraco Perfecto”, de Stanley Kubrick, “Fargo”, de Joel y Ethan Coen, yUn plan sencillo”, de Sam Raimi. Y afortunadamente, la que nos ocupa va más allá. Ya desde el principio notamos la frescura de un guión del debutante Kelly Masterson y el propio Lumet, que juega con una narración no lineal,  que va hacia atrás y hacia delante en el tiempo, permitiendo una perspectiva analítica de lo que se cuenta en favor del desarrollo psicológico de los personajes

Lumet pone en juego toda su experiencia, consiguiendo mezclar en una sola historia lo peor del género humano (ambición, drogas, robos, odio, desesperación, traición, venganza,  ...), de tal forma  que un  relato familiar muy complejo, resulte sencillo e intimista.

 De todo esto y desde el principio se avisa en el rótulo: “Ojalá puedas pasar media hora en el cielo antes que el diablo sepa que has muerto”, como reza un viejo brindis irlandés.

 Abunda la  culpa, el miedo, el arrepentimiento..… El punto de descontrol en el ser humano, está muy bien representado.  Hay algunos primeros planos en los que el rostro aparece desencajado por la tensión.

 En la casa del “camello”, ciertas escenas recuerdan a Lost in translation, personajes solos que con sus silencios transmiten emociones fácilmente.

 Es un drama demoledor, con una mezcla entre thriller y tragedia griega que no deja respirar, mantiene en vilo durante toda la proyección y sales con un gusto amargo y cierto desasosiego por esa visión constante del ser humano abandonado a su autodestrucción.

 Esperamos que os guste y nos vemos el viernes 20 de junio, en el restaurante OKRA, C/ Fernando el Santo 26, a las 18,30 h. para comentar la película y los temas tan importantes que plantea como son la familia, la moral y la ética personal.

 

Pilar Berbén

La edad de la ignorancia

Por Mirta Garcia - 9 de Junio, 2009, 19:21, Categoría: Comentarios 6 Temporada

Denys Arcand, cineasta canadiense (Québec, 1941) culmina con L' âge des ténèbres (2007) traducida como La edad de la ignorancia su trilogía iniciada hace ya más de veinte años con El declive del imperio americano (1986) y Las invasiones bárbaras ( 2003).

Una trilogía donde el director canadiense reflexiona críticamente acerca de la sociedad contemporánea y desarrollada de occidente.

Se trata en este caso de una coproducción franco-canadiense, escrita y dirigida por él, donde nos cuenta la historia de un mediocre funcionario que vive en una urbanización de Québec junto a su mujer y sus dos hijas. Nos muestra la soledad de este hombre que pese a tener una familia, vive completamente aislado, no sólo él, sino que cada integrante de la familia vive en su propio mundo.

Este sujeto que se nos muestra carente de iniciativas, mediocre, padre y marido fracasado, inmerso en una rutina gris y burocrática; para evadirse de esta realidad se enfrasca en ensoñaciones donde aparece como triunfador, donde se imagina a sí mismo en diferentes circunstancias como alguien fascinante y de éxito, donde las mujeres que habitan su cotidianeidad no se le resisten, sucumbiendo a sus poderosos encantos. Todas se doblegan a sus fantasías y deseos, una de las veces aparece como un triunfante novelista, otras es un político brillante, en otros de sus sueños aparece acompañado de una bella mujer, su esposa comprensiva y amorosa que lo espera junto a la chimenea.

Este drama con trazos de comedia, con tono agridulce, es una reflexión profunda por momentos con secuencias disparatadas que nos muestran una sociedad donde a toda costa se  trata de que impere lo políticamente correcto, donde el absurdo se nos presenta en numerosas ocasiones con tintes irónicos.

Es a partir de la muerte de su madre, completamente sola en un asilo , cuando el protagonista elige dar un cambio radical a su vida. Regresa al sitio de su infancia, a la casa de su padre, vuelve a sus orígenes. Se trata de un retorno a la naturaleza, ahí es donde también se desembaraza de sus sueños, que ya no les son necesarios.

La actuación de los actores es francamente buena y creo que la elección del protagonista ha sido un acierto.

Es una película que no nos deja indiferentes . Nos convoca a una reflexión crítica de la sociedad que habitamos.

Os invito a la que la veáis y en nuestro próximo encuentro debatamos acerca de ella.

 

 

Mirta García Iglesias

 

Cometas en el cielo

Por Marta Mora-Doldán - 9 de Junio, 2009, 19:18, Categoría: Comentarios 6 Temporada

"Cometas en el Cielo".

 

Es la penúltima película de Marc Forster, quien ya está trabajando en una nueva entrega de la saga de James Bond. Es sin duda uno de los directores más polifacéticos que hay en la actualidad, sin un estilo reconocible,  nacido en Alemania y criado en Suiza, Forster llegó a los Estados Unidos en 1990 para estudiar en New York University film school. Ha rodado películas tan distintas entre sí como "Monster´s Ball", "Descubriendo Nunca Jamás", "Tránsito" o "Más Extraño que la Ficción". Ahora con la adaptación de la exitosa novela de Khaled Hosseini, vuelve a hacer algo completamente distinto.

Khaled Hosseini,  nació en Afganistán y en 1980 obtuvo asilo político en Estados Unidos. En la actualidad vive en California, donde ejerce la medicina. Anteriormente publicó numerosas historias cortas. Esta es su primera novela, ocho millones de ejemplares vendidos y editada en 34 idiomas.

Mark Forster está nominado a los Globos de Oro. Con una filmografía tan diversa como sorprendente, realiza esta película con un reparto internacional, con actores desconocidos de Afganistán y Asia central. El acierto reside, en mi opinión, en haber hecho que los niños hablen en Dari, el idioma del país. El idioma original permite una ambientación sin igual, esta fue una preocupación principal del director. El autor de la novela,  lo que más temía era no reconocer Afganistán en el film.

"Cometas en el cielo" es para mi y más allá de alguna tendenciosidad, una película sobre el ser humano, sobre las mezquindades y grandezas del ser humano, en lo que parece ser lo habitual en esta época: sin culpa.  

En Afganistán, Kabul, la relación de dos niños será truncada por la traición de uno de ellos. Amir traiciona a Hassan, su compañero de juegos desde el nacimiento, un poco antes del estallido de la guerra. Amir y Hassan vuelan una cometa en un torneo infantil, numerosas cometas se cruzan en el intenso azul del cielo de Kabul. La traición de Amir pondrá en marcha los mecanismos de una catástrofe familiar que ignoramos hasta que...veinte años más tarde, Amir vuelve a Afganistán reclamado por una llamada telefónica.

Forster se centra en Amir, un niño cobarde, al que un miedo atroz le impide ser mejor persona. Zekeria Ebrahimi y Ahmad Khan Mahmidzada, los niños protagonistas, se estrenan como actores y logran transmitirnos la pureza de una relación de amistad con la ingenuidad de la infancia que ignora siempre la diferencia de clases sociales. En el caso del segundo, es un niño con expresiones y gestos muy naturales, al que le gustaría ser actor.

La música está compuesta por el español Alberto Iglesias,  nominado al Oscar, a los Globos de Oro y a los Bafta y que tiene en su haber siete premios Goya. Creó la música de películas como Volver, Vacas, Te doy mis ojos, El jardinero fiel, Lucía y el sexo, Mala educación. Son solo algunas del período 2000-2007. Quienes quieran saber más pueden ir a http://www.albertoiglesias.net/base.htm

            Os esperamos el próximo viernes 18 en la tertulia.

 

Marta Mora

 

XXY

Por Marta Mora-Doldán - 9 de Junio, 2009, 19:12, Categoría: Comentarios 6 Temporada

Marta Mora

 

En la sinopsis se nos dice "Alex es una adolescente de 15 años que esconde un secreto. Poco tiempo después de su nacimiento sus padres decidieron instalarse en una cabaña aislada en las afueras de Piriápolis. La historia comienza con la llegada de una pareja de amigos que vienen desde Buenos Aires con su hijo adolescente Álvaro".

 

A partir de ahí, con los mínimos rasgos, con pocos diálogos y más lenguaje cinematográfico, la directora nos convierte en testigos de esta historia.

Con el beneplácito de la crítica internacional, la cinta hispano-argentina 'XXY' desafía al espectador a través de un personaje cuya diferencia desmantela todo precepto social.

Con esta película Lucía Puenzo debuta como directora y guionista. El guión está basado en un relato corto, "Cinismo", del escritor y director Sergio Bizzio, su actual pareja.

Producida por Luis Puenzo, su padre, guionista, director y actor que obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera con "La historia oficial".

            XXY, en diciembre/2007 se llevó los premios más importantes de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina y que sigue en carrera por los Cóndor de Plata de la Asociación de Cronistas Cinematográficos con nominaciones a mejor película y mejor actriz. Sobresalió tanto en el contexto del cine argentino de 2007 que fue la elegida por la Academia local tanto para competir por el Oscar como por el Goya. Por primera vez, un solo filme tenía esa misión. Sin embargo, la película quedó fuera de la pelea por los premios estadounidenses.

 Este fin de semana ha recibido el premio Goya 2007 a la mejor película hispanoamericana.

La casualidad hizo que la joven actriz Inés Efron se convirtiera en la protagonista de 'XXY', fue en su cuerpo y en su rostro donde Puenzo encontró el modo de mostrar 'todos los miedos y la complejidad de sentimientos' que viven personas como Alex.

 Para Inés Efron es su debut en el cine, sorprende su interpretación, está sobresaliente y de ello se beneficia la película, que ya lleva cosechados varios premios, el principal el otorgado en Cannes 2007 como mejor película de "La semana de la crítica", que no es la sección oficial, pero en Cannes no hay premio que deba considerarse pequeño.

Ricardo Darín, sobrio y contenido pero con su habitual capacidad para la expresión, un gesto, una mirada nos dicen más que lo que dice, aunque lo que todos callan es esencial.

Una película diferente del cine argentino visto hasta ahora, sin moraleja, planteada desde un no saber aparente, es evidente el trabajo que hay detrás del tema,  que provoca el deseo de saber.

Os esperamos el próximo viernes 15 de Febrero a las 18 h.

 

                                    Marta Mora

                        5 de febrero de 2008

Líbero

Por Olga Montón - 9 de Junio, 2009, 19:06, Categoría: Comentarios 6 Temporada

("Anche libero va bene")


Italia, 2006.

Dirección: Kim Rossi Stuart.

Guión: Linda Ferri, Federico Starnone, Fancesco Giammusso y Kim Rossi Stuart.

Fotografía: Stefano Falivene.

Música: Banda Osiris.

Intérpretes: Alessandro Morace, Kim Rossi Stuart, Barbara Bobulova, Marta Nobili, Pietro Da Silva.

Líbero supone el debut en la dirección del actor italiano Kim Rossi Stuart.
Nacido en Roma el 31 de octubre de 1969, empezó a actuar de la mano de su padre, a los 5 años. A los 14 abandonó su casa y los estudios, para dedicarse a la actuación. Fanático de la natación —como su personaje en el filme—, trabajó bajo las órdenes de Roberto Benigni y Michelangelo Antonioni, entre otros.

Se trata de una historia dramática centrada en una familia rota por el abandono sistemático de la madre. El realizador ha conseguido un tono intimista y realista que le ha permitido cosechar varios galardones a nivel europeo en los festivales de Cannes y Copenhague, así como el David de Donatello al mejor director novel en su país de origen. La película ha sido concebida según la inocente mirada de un niño, ya que el propio Rossi reconoce influencias de su niñez. Sin embargo, no se trata de un filme autobiográfico.

El propio Kim Rossi Stuart es el encargado de protagonizar la cinta en el papel del padre de familia. El actor de "Las llaves de casa" da vida a un hombre complejo, incapaz de manejar situaciones límite. El hijo, Tommy, al que interpreta el debutante Alessandro Morace, de tan sólo once años, va a tomar las riendas de la familia convirtiéndose en el principal apoyo de su padre, cada vez más desmoronado. La madre, inestable y caprichosa, es Barbora Bobulova ("Manuale d'amore 2") y otra debutante, la joven Marta Nobili, es Viola, la hija del matrimonio.

La madre es algo más que una figura ausente: es motivo de silencio, de furia, un anatema. Dejó la casa familiar más de una vez y ahora Renato lleva la casa como puede, con un orden por momentos marcial, que él mismo se encarga de socavar cuando por la noche les permite a sus dos hijos compartir con él la tibieza de la cama matrimonial, donde él también se siente solo.

"Te voy a mandar a la Academia Militar", grita exasperado Renato cuando no consigue despertar por la mañana a Tommi para ir al colegio. Y los gritos de ese padre son verdaderamente terribles. El inteligente uso del sonido los vuelve metálicos, hirientes, casi más que si levantara su mano. Pero Tommi no le teme a su padre, más bien lo padece, lo comprende, con una rara madurez, con un equilibrio que lo pone en el lugar de una figura adulta, a diferencia de ese hombre y esa mujer que parecen niños a pesar de ser sus padres.

Una de las muchas virtudes del film de Rossi Stuart es la relación que impone entre sus personajes, que es una relación afectuosa, familiar pero también laboral. En esa casa cada uno tiene sus obligaciones, su trabajo, que los chicos no necesariamente cumplen, por el solo hecho de ser eso, niños. La puesta en escena de Rossi Stuart acentúa estas tensiones entre padre e hijos con una rara sobriedad, elaborando sentido a partir de planos cortos, cerrados, donde privilegia no sólo el cruce de miradas sino también la relación entre los cuerpos: las caricias, los manotazos, los empujones.

En esa familia hay una permanente dicotomía entre ternura y violencia que remite al universo de John Cassavetes antes que al de Nanni Moretti, que a priori podría parecer el modelo de Rossi Stuart, aunque más no fuera por su doble calidad de actor y director. Pero Libero no habla en primera persona, como el cine de Moretti, sino en tercera: el punto de vista es siempre el de Tommi, el del hijo, y es a través de sus ojos que el film de Rossi Stuart va elaborando la figura difícil, compleja, contradictoria del padre.

Desde el lado del Psicoanálisis la mirada del sujeto es la del hijo.

¿Podrá este padre, incapaz de parar a esa mujer caprichosa, ordenar algo de su deseo?

Ese padre omnipotente, que cree poder cambiar a la mujer y hacer de director en su trabajo, cuando ya sabemos por Freud que "es la omnipotencia lo que genera impotencia".

Se abre un punto de posibilidad para el hijo cuando el padre acepta algo de su castración, cuando asume que el deseo del  hijo es jugar al fútbol.

Y la hija, abocada a no tener límite, como su madre, estrago por esceso. Parece que las negativas del hermano la permiten una salida del lío edípico. Dirigiéndose a su entorno adolescente, en la última escena en que aparece, donde por fin deja solo al hermano frente al televisor  y se va con las amigas.

De la madre no tenemos suficiente información, solo tenemos la mirada del hijo, la del abandono.

Os esperamos el próximo viernes 19 a las 18h  donde podremos debatir donde están las claves de cada personaje y su desarrollo.

Saludos cordiales,

Olga Montón

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