Comentarios 3 Temporada

Match Point

Por Mercedes de Francisco - 9 de Junio, 2009, 17:05, Categoría: Comentarios 3 Temporada

Match Point

 

La última película de Woody Allen, Match Point, además de tener ciertos aires que nos hacen recordar a otra suya, Delitos y Faltas, nos presenta demasiado a las claras la cuestión sobre la que la película va a versar: el azar. Una voz en off, nos va adentrando en la reflexión, si no filosófica, al menos existencial de la importancia de la suerte, del azar para cualquier vida y destino de un sujeto (¿guiño a Mistic River?). Es este tema demasiado manifiesto para que, en un director de cine tan experimentado en el psicoanálisis, no resulte sospechoso. Es un azar demasiado orientado, que sigue ciertas leyes, cuasi presentes en el mundo desde la tragedia griega y el drama humano, un significante amo.

 

El tema manifiesto, el azar, ¿nos permite ver el drama que se nos presenta en cuanto al amor se refiere y a la diferencia entre el hombre y la mujer?. El protagonista masculino, que borda su papel pues sabe hacer de su belleza algo inquietante, presentifica el prototipo que se hizo literario pero surgió de un hombre real, Clavijo. Aunque Goethe lo convirtió en un héroe romántico, sin embargo, los hechos de su vida, mostraban un ser mucho más prosaico. De un hombre que existió, un prototipo casi universal.

 

Quizás, está película muestra con las claves de nuestra época la misma elección ética a la que Clavijo se enfrenta. Desde luego, es retroactivamente como vamos a poder decidir la verdad sobre los sentimientos del protagonista. Sólo con su desenlace podemos calibrar la relación del sujeto con el amor. Y lo increiblemente curioso, es que más allá que la suerte lo acompañe o no, el anillo caiga al río o a la acera, su acto ha tenido consecuencias que atraviesan el azar y superan la suerte.

 

Al hacer este pequeño comentario, he tomado la dimensión de la grandiosa lección "latente" que nos muestra Woody Allen, sobre las consecuencias del acto para el sujeto. Un sujeto que ya nunca podrá volver a ser él mismo. Por lo menos para mí como espectadora, el acto del protagonista hace que todo lo que pasó en la película anterior a ese momento cambie de significado. 

 

Mercedes de Francisco

Familia rodante

Por Olga Montón - 9 de Junio, 2009, 11:43, Categoría: Comentarios 3 Temporada

“FAMILIA RODANTE”

1500 KILÓMETROS INOLVIDABLES


A la abuela Emilia le proponen ser madrina en la boda de su sobrina que se celebra a 1.500 kilómetros de distancia. Emilia tiene 84 años, pero se emociona con la proposición y pide a toda su familia que la acompañe durante el viaje. Como nadie se atreve a negárselo, abuela, hijas, nietos, bisnietos, yernos, novios y amigas se ponen en marcha en una caravana que les va a llevar de Buenos Aires a Misiones.
el viaje que inicia esta familia supone al mismo tiempo el descubrimiento de sus miserias internas, provocadas en muchos casos por el aburrimiento de la rutina marital y la falta de comunicación que acaban desembocando en el seno del adulterio, pero también en la hermosa iniciación del amor adolescente. Y no deja de resultar significativo que el viaje concluya en una boda, cuando los viajantes se encuentran precisamente en la tesitura de poner fin a lo que comenzó como tal.

'Familia rodante', un trabajo con una fuerte carga intimista en el que su director, Trapero se servirá del personaje de Emilia (interpretado por Graciana Chironi, abuela del director, presente en todas sus películas) para contar cómo, a su juicio, pueden convivir pasado y presente a los ochenta años, para desvelar qué se siente al saber que la única certeza es saber que lo más cercano será la muerte.

“Casa Rodante” es el nombre que habitualmente se utiliza en Argentina para referirse a las “autocaravanas”. La historia está basada en anecdotas o historias familiares o muy cercanas. Este es el punto de partida para construir una ficción. En realidad, más que una road movie estamos ante uno de esos ejemplos de película-excursión, en el sentido metafórico y literal de la palabra. Ha habido ilustres ejemplos de cine-excursión (como Una partida de campo, de Renoir, o Milou en mayo, de Louis Malle),

 

Pablo Trapero se dio a conocer por sus anteriores y notables trabajos, Mundo grúa (1999) y, sobre todo, El bonaerense (2002). En “Familia Rodante”, su tercer largo de ficción, obtuvo los premios al mejor director y mejor actriz (Graciana Chironi) en la última edición del Festival Internacional de Cine de Gijón.

Si sus dos primeros relatos se centraban en un personaje excluyente –a cuyo oficio remitían los títulos respectivos–, en su nueva entrega Trapero impone el eje narrativo también desde el título, que ya no es individual sino grupal. Si sus dos primeros relatos presentaban el deambular episódico de personajes fragmentados, el film en cuestión nos presenta una acción singular, lineal y aglutinante de personajes bastante transparentes. Si en sus antecedentes se asomaban sentimientos opacos, en Familia rodante Trapero expone acciones concretas, sentimientos concretos. Lo hace sin vergüenzas.

Ya no están más las tensiones latentes de Rulo o Zapa (Mundo Grúa, El bonaerense), reemplazadas ahora por un entramado coral de personalidades palpables, delineadas en pocos gestos, en pocas acciones: los personajes y las situaciones fluyen con un realismo que respira durante toda la película y mediante diálogos que nunca abandonan su verdad. Los consejos de la abuela Emilia a su nieta en una estación de servicio, la charla entre quinceañeras enemistadas, el acercamiento sexual de dos adolescentes, un abrazo de madre e hija en el clímax del viaje.: La cámara de Nieto capta con la misma intensidad tanto el asfixiante interior de la caravana como la majestuosa pasividad de los paisajes exteriores.

Una película interesante para terminar esta temporada de tertulias y comenzar el verano. Espero que os sirva de inspiración para los viajes que iniciéis estas próximas vacaciones.

Os esperamos el próximo viernes y os recuerdo que hay aire acondicionado.

Olga Montón

Código 46

Por Olga Montón - 9 de Junio, 2009, 11:40, Categoría: Comentarios 3 Temporada

CÓDIGO 46

Dirigida por Michael Winterbotton (Nine Songs, pasó sin mucha expectación por el Festival de Venecia en 2003 y también ganadora de tres premios (Mejor Banda Sonora, Mejor Guión y Méliès de plata a la Mejor Película Fantástica Europea) en la pasada edición del festival de Sitges. La cinta está protagonizada por Tim Robbins, en el papel de un padre de familia lleno de dudas, y por la británica Samantha Morton (In America). Completan el reparto de Código 46 el veterano Om Puri (East is East) y la actriz francesa Jeanne Balibar (Sade).

Nos encontramos en el futuro. Un futuro cercano, continuista y diatópico, donde muchos de los problemas políticos, socioeconómicos y ecológicos de la actualidad, lejos de solucionarse, se han agravado. El aumento de la densidad de población tiene como consecuencia una férrea labor de control por parte de las autoridades. Aparecen toda una serie de restricciones burocráticas -visados y documentos oficiales- que crean grandes diferencias entre los que viven en las ciudades y los que (sobre)viven fuera de los límites de éstas: zonas desérticas donde se apilan miles de personas esperando poder conseguir el documento que les permita entrar y residir en la ciudad.

La reducción de la capa de ozono obliga a trabajar por la noche y a descansar por el día. La globalización provoca un cóctel lingüístico, a pesar del predominio del inglés, se incorpora de forma natural vocabulario de otras lenguas (ya los títulos de crédito anuncian está circunstancia). La clonación es una práctica habitual que provoca graves conflictos morales. Se ha extendido el uso de los llamados virus -los elementos más fantásticos de la película- con multitud de aplicaciones. Pastillas, como el virus empático, que permite leer sin dificultad la mente de otra persona, u otros que provocan el rechazo en el contacto físico con otra persona.

Al igual que en Blade Runner (1982), con la que tiene más de un punto en común, Codigo 46 tiene una estructura de thriller, de cine negro. William (Tim Robbins) es un detective encargado de investigar la producción fraudulenta de papeles, de documentos oficiales que permiten el acceso a las ciudades. Como pasaba en Blade Runner con la replicante o la femme fatal de muchas películas de cine negro, el detective se enamora de la mujer equivocada (Samantha Morton), de la falsificadora de documentos que debe desenmascarar. El conflicto está servido: ¿la descubre (y la pierde) o la encubre (y la gana)?

Es una historia de amor imposible: desde el punto de vista de la ética profesional (debe denunciarla), de la moral individual (está casado y con hijos) y de las leyes imperantes (El código 46 del título es una de las leyes establecidas por el gobierno totalitario de este nuevo orden, la Esfinge, y prohíbe toda relación cuya identidad genética sugiera algún tipo de parentesco, aunque sea lejano). El propio realizador admite haberse inspirado en el clásico mito de Edipo: «Nuestra historia se convirtió en una versión más abstracta y mítica de la idea que gira en torno al hecho de no poder evitar amar a quien amas (…) esa idea de que William pudiera enamorarse de alguien que genéticamente es idéntica a su madre, sin ser consciente del hecho». También reconoce la influencia de amores imposibles como el de Casablanca o Breve Encuentro. Y es que el final de la película es uno de esos.

La banda sonora cuenta con canciones de Coldplay, The Clash (En una escena que tiene lugar en un karaoke es posible ver a Mick Jones (ex-miembro del grupo The Clash) cantando el clásico “Should I Stay or Should I go?”), incluso, un tema interpretado por la polifacética Milla Jovovich.

 'Código 46' pertenece a un subgénero: la historia de amores imposibles con paradoja futurista en su centro, al modo de 'La Jetée,' de Chris Marker; 'Je t'aime, je t'aime', de Alain Resnais; 'Doce monos', de Terry Gilliam o la más reciente '¡Olvídate de mí!', de Michel Gondry.

Una historia del corte de Minority Report o Infiltrado porque una serie de códigos rigen a la humanidad casi a modo de mandamientos.

Ejercicio de ciencia-ficción fría y cerebral, la película de Winterbottom puede traer a la memoria del aficionado recuerdos de 'Gattaca', la película de Andrew Niccol protagonizada por Ethan Hawke y Uma Thurman, o del universo literario de William Gibson.

En ella podemos encontrar diseminados retazos de la mayoría de sus últimas películas. El sexo (aunque menos cercano a lo pornográfico) y la música en directo de la reciente “9 Songs, los parajes desérticos, el cruce de culturas (reflejado perfectamente en el lenguaje que hablan los protagonistas, un inglés plagado de términos sueltos en multitud de lenguas como el español, el francés, el chino o el árabe) y las dificultades para conseguir visados de “In This World”, el diseño moderno de “24 Hour Party Peoplea la que nos remite desde los propios títulos de crédito, el dramatismo de la historia de “Wonderland...” pero aquí menos esperanzador.

Olga Montón

Contra la pared

Por Olga Montón - 9 de Junio, 2009, 11:27, Categoría: Comentarios 3 Temporada

“Contra la pared”
EL AMOR ENTRE DOS SERES PERDIDOS.

Dirigida por Fatih Akin.

“Puedes acabar con tu vida sin matarte”, le susurra el médico. Cahit, 40 años, temporalmente recluido en una clínica psiquiátrica después de un intento de suicidio, entiende la críptica frase: debe volver a empezar. Pero su alma atormentada le obliga a ahogar su dolor en el alcohol y las drogas. Sibel, bonita, joven y turco-alemana (como Cahit), disfruta demasiado de la vida para ser una musulmana decente. Desesperada por escapar de la cárcel de su devota y conservadora familia, finge suicidarse. Pero no consigue la libertad, sino la deshonra. Sólo el matrimonio puede salvarla. Ruega a Cahit que se case con ella. Él acepta muy a pesar suyo. Quizá porque quiere salvarla o quizá porque quiere hacer algo por una vez en su vida. Comparten el piso y poco más. Ella disfruta de la libertad. Él ve esporádicamente a una medio novia. Pero el amor entra en su vida de puntillas. A medida que se enamora de Sibel, descubre la alegría, reúne fuerzas para seguir adelante. Ella sigue saliendo con otros hasta que, de pronto, también se da cuenta de que está enamorada de Cahit. Pero es demasiado tarde, un ataque de celos acaba en un homicidio. Encierran a Cahit en la cárcel y Sibel huye a Turquía. Su corazón y su mente siguen con Cahit, pero, ¿cuánto durará?

 

Dirigida por Fatih Akin, la película fue Oso de Oro en el último Festival Internacional de Berlín y Goya a la mejor película europea 2005.

El Director      

                       

Director y guionista Nacido en Hamburgo de padres turcos el 25 de agosto de 1973, Fatih Akin cursó estudios superiores en la “Hochschule für Bildende Künste” (Escuela de Arte) antes de rodar su primer corto, Sensin’... Du bist es!, en 1995, que le valió el premio del Público en el Festival Internacional del Cortometraje de Hamburgo. En 1997, rodó su primer largometraje, Kurz und schmerzlos, recibido con entusiasmo por el público y por la crítica, con el que ganó el Leopardo de Bronce de Locarno, el Premio Adolf Grimme y el Premio de Cine Bávaro entre otros. Fatih Akin confirmó su versatilidad como cineasta con una road movie romántica, In Juli, el documental Wir haben vergessen zurückzukehren (ambos en el 2000) y el largometraje Solino (2002).

Entrevista a Fatih Akin

Ante todo quiero decirle que su última película, CONTRA LA PARED, me parece fantástica. Me dejó asombrado. La he visto cuatro veces y, aun así, no consigo desprenderme de ella. ¿Cómo nació la película y de dónde sale una historia tan loca?
Hace tiempo que me acompaña esta película. Una vez, una medio novia turca me preguntó si me casaría con ella por conveniencia. Le dije que no, pero la idea siguió conmigo. Pensé que era una buena historia para una película. Cuando empecé con el primer tratamiento hace años, lo enfoqué como una comedia. El punto de partida es la típica situación cómica en la que una persona engaña a otra.
Luego conocí a Birol Ünel cuando rodamos Kurz und schmerzlos. Me quedé fascinado. Hay hombres así, como Kurt Cobain, James Dean o Marlon Brando que hechizan a la gente. Son hombres autodestructivos, tan brillantes y con tanto talento que nada más importa. Además de todo eso, él es turco, los dos tenemos los mismos orígenes, y las tradiciones le importan un bledo. Me inspiré mucho en eso para la película. El tercer punto en importancia fue el cine turco y la ciudad de Estambul. Empecé a quedarme más tiempo en Estambul, conocí a gente, vi de qué iba la movida, descubrí la música y el cine turco. Han producido verdaderas obras de arte que nadie conoce en Europa en las que la tragedia y la comedia se dan la mano. La tragedia siempre es más dolorosa cuando se mezcla con la comedia. También empezaron a fascinarme las chicas turcas que se ven en Alemania, me parecen mucho más atractivas que muchas mujeres alemanas. Quería saber cómo reaccionaban divididas entre la tradición y las costumbres alemanas.

En muchas películas alemanas, la mujer hace el papel de guinda del pastel, se la necesita para poder contar una historia de amor, pero ya está. En esta película, me pareció todo lo contrario, es un personaje muy fuerte. ¿Cómo encontró a la actriz? Es excelente y no da la impresión de hacer un papel, está muy presente.
Fue todo un reto encontrar a Sibel Kekilli, que interpreta a otra Sibel en la película. Necesitaba a alguien que pudiera trabajar con el excéntrico Birol, que tuviera poder como él y cuyos dones interpretativos fueran comparables a los suyos. Era como buscar una aguja en un pajar. Cuando nos dimos cuenta de que ninguna actriz conocida encajaba con este perfil, empezamos a buscarla en la calle. Sibel era una de las 350 candidatas. Tenía el valor de enfrentarse a Birol y ganas de hacerlo. Casi al principio, dijo: “Cuando empiezo algo, voy hasta el final”. Pensé que no era más que una frase, pero hoy sé que no es así. Llegó hasta el final y lo hizo bien. Siempre digo que fue un regalo del cielo.

Veo una historia de amor completamente loca, pero en cuanto lo digo, me doy cuenta de que no es así, que sólo es una frase. La película va más allá. Me pregunto qué me atrae tanto, como algo en vena. No es una película codificada, de eso estoy seguro, pero, ¿la describiría como una historia de amor, una película turca, una película barriobajera? Es una película muy auténtica. ¿Me equivoco si digo que ante el infortunio, la única alternativa es el amor?
Bueno, en última instancia es una película de amor, o parte de un triángulo formado por el amor, la muerte y el diablo. Aquí, el amor no es sólo constructivo, también es destructivo. Tiene que ver con la muerte vista como metamorfosis. También tiene que ver con el diablo, con el demonio que llevamos dentro, el deseo, la lucha entre el bien y el mal. Esta película es mi interpretación del bien y del mal. Mucha gente nos enseña lo que se supone es bueno y malo, sobre todo en cuanto a la religión. Por eso me pregunté cuándo algo es realmente malo o realmente bueno. Creo que el amor tiene un lado luminoso y otro oscuro, y que el lado oscuro puede convertirnos en seres destructivos. Al principio de la película, Birol está muerto, es un zombi. Despierta cuando Sibel le besa y le libera, dándole fuerza. Pero toda energía positiva también tiene un lado negativo, posesivo. Incluso se han llegado a librar guerras por este motivo. En mi opinión, cualquier guerra carece de sentido. Y si hubiera una que lo tuviera, sería el amor. Quizá pueda sonar azucarado y memo, pero lo digo con toda sinceridad. El amor es una fuerza que se apodera de uno y esta película habla de esta fuerza. Por eso es una historia de amor.

Volviendo a Estambul, ¿qué representa la ciudad? Ha dicho antes que le entusiasmó rodar allí. ¿Tiene algo que ver con el amor entre los dos protagonistas? Y si es así, ¿por qué?
Ya que la película contiene muchos temas personales, siempre tuve muy claro que rodaría gran parte en Estambul. Al fin y al cabo, esta ciudad cada vez cobra más importancia en mi vida. Para mí, es una mezcla entre la Ciudad Santa y Babilonia, un lugar lleno de contradicciones, loco, incluso peligroso y muy agotador. En mi opinión es la ciudad “per se”. Y, desde luego, era el mejor telón de fondo para esta historia.

La película no tiene un final feliz. Me habría encantado un final al estilo cuento de hadas “Todos fueron felices...”. Los dos han sufrido mucho pero no acaban por unirse. Él pone su vida a los pies de ella, pero ella le rechaza. ¿Por qué no va con él a su pueblo natal, por qué se queda con su familia?
Hay al menos 50 buenas razones para no acompañarle. En mi opinión, si le acompaña, no habría sido una conclusión honesta. Para Sibel, la guerra ha acabado. Intentó encontrar la paz. Ha sido castigada, Dios la ha castigado, pero ha sobrevivido. Ahora entiende que la razón a veces puede a la pasión. Que no siempre es bueno rendirse a la pasión.

Es una película muy espiritual, muy arcaica. ¿Qué les ocurre? ¿Es un viaje a través de los infiernos? ¿Es necesario pasar por el infierno para alcanzar la vida auténtica? ¿Qué es el amor de ella, en qué se convierte?
Los dos empiezan siendo dos “yo” y acaban convirtiéndose en un “nosotros”. Un “nosotros” muy destructivo, aunque tiene un lado constructivo ya que ninguno sigue sintiendo el deseo de morir. Se dan fuerza mutuamente, pero vuelven a separarse y recuperan su “yo”. No es el mismo “yo” que al principio, ha habido un desarrollo, la vida es así. Mi mayor preocupación era conseguir que la tensión dramática surgiera del desarrollo de los personajes. No quería la típica cuerda floja con los obstáculos habituales. Al rodar en orden cronológico, los dos pudieron desarrollar sus personajes y su interpretación. Al principio de la película, Sibel es una muchacha insegura y, de hecho, lo era, todo era incierto para ella. Con cada día de rodaje, su confianza en sí misma aumentaba y pasaba lo mismo con su personaje.

CONTRA LA PARED es una película radical y altamente contagiosa. La controversia está asegurada en Alemania. Ya puedo oír a los críticos tratándole de loco. ¿Por qué asusta a los grandes gurus culturales alemanes? ¿Está de acuerdo conmigo o cree que exagero?
Intento alejarme de todo esto. No puedo dejar que me afecten las críticas. Es la primera vez que no tengo otro proyecto esperándome, puse toda mi concentración y mi fuerza al servicio de la película. Pero no estoy descansando por una razón muy pragmática: estoy sin blanca. Por eso empecé a trabajar en tres o cuatro proyectos. He fundado una productora, Corazón International. Quiero conseguir una buena estructura para mis proyectos ya que eso significa libertad para las futuras producciones. Mi siguiente película será mucho más pequeña y mucho menos nociva. Me parece peligroso intentar superar una película como ésta. Puede que llegue otra algún día o puede que no, pero lo que no puedo hacer es dormirme en los laureles. Sería letal.


Entrevista realizada por Feridun Zaimoglu.
Feridun Zaimoglu es un conocido autor y pintor turco-alemán. Su novela “Abschaum” fue llevada a la gran pantalla bajo el título “Kanak Attak” con mucho éxito en el circuito alemán. Zaimoglu es uno de los portavoces culturales de la población turca afincada en Alemania.

Closer

Por Olga Montón - 9 de Junio, 2009, 11:26, Categoría: Comentarios 3 Temporada

MIKE NICHOLS

1931 - Berlín. Alemania

 

Tras recorrer unos cuantos cabarets perfilando sus dotes como director escénico, consigue instalarse en los escenarios de Broadway y dirigir una serie de conocidas obras teatrales, antes de debutar como director cinematográfico en ¿Quién teme a Virginia Woolf?, interpretada por Elyzabeth Taylor y Richard Burton.

Productor de sus propias películas, el éxito le viene de la mano de Dustin Hoffman, Katharine Ross y de las canciones de Simon & Garfunkel con El graduado. Después repetirá con Garfunkel como actor en Catch 22 y en Conocimiento carnal, colocándole junto a un Jack Nicholson todavía en su primera época alejada del histrionismo.

Sin olvidar nunca los escenarios, para los que seguirá produciendo y dirigiendo, Nichols proseguirá una equilibrada carrera como director cinematográfico, destacando entre sus últimas obras A propósito de Henry con Harrison Ford y Una jaula de grillos, con un terceto impagable de actores: Robin Williams, Gene Hackman y Nathan Lane.

Closer
ÁNGELES EN AMÉRICA


El, Cegados por el Deseo recuerda a clásicos de Nichols como Quién Teme a Virginia Woolf y Conocimiento Carnal.

 

Se considera un artista y, como tal, mantiene una lucha férrea contra la necesidad de comercializar con lo que crea. Ni tan siquiera la edad –va camino de sus 74 cumpleaños– le ha cambiado. Tras un paréntesis en su carrera cinematográfica que le llevó al mundo de la televisión, dirigiendo un telefilme y una miniserie para el canal de cable HBO, ahora vuelve a la gran pantalla con Closer. El director continúa su "Angels in America" con Cegados por el Deseo. Un drama ambientado en el Londres contemporáneo, basado en la obra de teatro homónima de Patrick Marber que explora las relaciones de pareja a través de las vivencias de dos mujeres estadounidenses y dos hombres británicos. Engaños, decepciones, pasión y mentiras se suceden entre los cuatro, descubriendo la verdadera naturaleza, no siempre bella, de las relaciones entre hombre y mujer.

Sus protagonistas son de pedigrí. Algo habitual cuando Nichols dirige. Así, Closer cuenta con la joven Natalie Portman (stripper) –en el que ha sido llamado su primer papel adulto y a quien Nichols compara con Audrey Hepburn–, el omnipresente Jude Law (periodista que ambiciona ser escritor), Clive Owen (dermatólogo) y Julia Roberts (fotógrafa). Un elenco que le ha valido al veterano director –uno de los pocos ganadores de un Oscar, un Tomy, un Grammy y un Emmy–, recoger seis nominaciones a los Globos de Oro, incluida la de mejor director.

Entre las anécdotas a destacar está que Julia Roberts se sumó al filme a última hora en sustitución de la embarazada Cate Blanchett. A su vez, el posterior embarazo de la Roberts la llevó a no poder participar en la promoción de la película.

Filmografía:

1998 -  Primary Colors

1996 - Birdcage, The

1994 – Wolf

1991 - Regarding Henry

1990 - Postcards from the Edge

1988 - Biloxi Blues

1988 - Working Girl

1986 – Heartburn

1983 – Silkwood

1980 - Gilda Live

1975 - Fortune, The

1973 - Day of the Dolphin, The

1971 - Carnal Knowledge

1970 - Catch-22

1967 - Graduate, The

1966 - Who's Afraid of Virginia Woolf?

 

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