CRÓNICAS
Las Crónicas son los relatos de lo sucedido en las diferrentes tertulias. Con ánimo de que los tertulianos que no pudieron asistir conozca lo que allí se comentó.

Cronica 99ª

Por Marta Mora - 9 de Julio, 2014, 12:28, Categoría: CRÓNICAS

Crónica nº 99
Los ojos amarillos de los cocodrilos.
Directora: Cécile Telerman

Por Marta Mora

Coordinó esta tertulia nuestra colega Olga Montón. Retomó lo dicho sobre las dos hermanas, Josephine e Iris, en el anuncio de la película por e-mail. Josephine, caída, sintiéndose incapaz de ser deseable para un hombre, que se traga todas las mentiras del entorno, siempre clandestina y la otra, apropiadora del trabajo y los éxitos de otros, la elegida por la madre, que vive en la mentira, superficial, convencida de que el otro también miente.

También señaló que el psicoanálisis lacaniano no es determinista. Las marcas están pero uno es responsable, sin saberlo, del lugar que ocupa en la familia y en la vida y que es posible hacer otra cosa con eso.  Josephine  dejada caer por la madre, asume el “no valgo nada” como su posición subjetiva.

Lo primero que se planteó es el papel de “negro” que acepta Josephine, a uno lo sedujo este tema aunque sea el negro de la hermana.

Haciendo psicoanálisis de ficción, alguien dijo que el amor podría sacarla de su posición de clandestina.

Unos opinaron que el destino cambia la vida de estas hermanas, a la glamorosa se le rompe la vida, se le tuerce todo. Sin embargo a Josephine el marido la deja pero se la ve al final con más brillo. En los encuentros algo cambia, sostuvo alguien.

A otro no le gustó ni la estructura ni la narración, a los cinco minutos le parecía un cómic, puros estereotipos. Película de relaciones familiares. Asoció al verla con “Al este del Edén” de Elia Kazan aunque comparar es absurdo… Le pareció que era una versión más del mito de Caín y Abel, el bien y el mal.

Otro vio varios fallos del guión, por ejemplo el truco de los gemelos, es un recurso conocido y manido. El marido le pareció un vago y muy cobarde, pensó que Josephine necesita un psicoanálisis pues no hay cambios pues no denuncia al marido que le falsifica la firma y la deja endeudada, tampoco cambia con la hija que la engaña, solo parece decidida a no ceder en aprovecharse económicamente de la madre rica. Los personajes le parecieron ladrones de sentimientos y manipuladores. Y se preguntö ¿cual es la naturaleza de una madre que ante una hija como esa, puede decirle que la quiere?

A lo que alguien respondió, que tire la primera piedra aquel que en la adolescencia no se ha enfrentado a sus padres. La adolescencia es un etapa, dolorosa, pero una etapa, antes esa hija fue otra cosa. El varón tiene que denostar a la madre para poder elegir una mujer y la hija denostar a la madre para intentar elegir que mujer será.

Otro dijo que nos quieren hacer creer que hay justicia terrenal, un poco artificial. Sobre el plagio y lo del negro, como Cyrano de Bergerac, una cosa es escribir y otra venderlo.

Las mujeres aparecen como extraviadas y los hombres menos. Josephine es salvada por su padre en la infancia, en la playa, aunque él no sabe nadar, va dirigiéndola para que se acerque a la orilla. En esa misma escena, la madre elige para que viva a Iris, ya fuera del agua ni siquiera hace el intento de volver a buscar a Josephine. El padre la quiere mucho, se va salvando a si misma en la vida como en esa escena. Ella es invisible para esa madre, objeto de goce para los demás y para ella misma. Sí cree que cambia, pone límite a su hija, a la hermana, a la madre, no sabe adonde va pero el desear amar la estimula.

Alguien comentó que no le gustó, tanto le disgustó que se sintió mal, le dio vergüenza ajena, le pareció todo de cartón piedra. Cuestión de repetición, la escena de la foto,  Josephine se tapa la cara, se hace invisible. Cuando mira las estrellas con el padre, que le señala: tu eres la más pequeña que sostiene todo. La que casi no se ve…

Otro marcó la repetición como el punto de goce de Josephine, ser la invisible, no tiene autoestima.

Otro salvó a  Josephine viendo en el acto de decir no a la propuesta de la hija, que le dice que lo haga bien para que la abuela les dé dinero. Ahí pone un límite.

Josephine tiene algo, un saber hacer, la otra no tiene nada, más bien tiene un plagio en su haber. Iris pierde el norte, efectivamente es una repetición.  Josephine saldría gracias al amor por el chico de la biblioteca, que le gusta.

No se estuvo de acuerdo con el tema de Caín y Abel, no es una cuestión de buenos y malos, es el reflejo de una familia en descomposición, falta de autenticidad en esa familia. Asoció con “Celebración”, todo en descomposición.

Otro comentó que la película en sí no era una maravilla. Coincidió con lo dicho hasta ahora en el punto de las dos hermanas. La mala es horriblemente mala con ella misma por horror a esa verdad. Señaló la diferencia entre la autoestima y el amor propio. En el amor propio hay algo ético, el “por ahí no paso”. No necesitaba el libro por el dinero, le iba bien con su oficio de escribir, tenía el libro, una traducción y la escritura de una biografía. El cuñado tenía recursos para ayudarla y podría haber escrito SU libro pero se somete en posición de esclavo, “el negro” de los libros. Hay un punto de amor propio cuando escribe, en el que puede ser ella misma pero es clandestina. La de Iris, es otra situación dramática, ella si tiene mucha autoestima, que es puro narcisismo, narcisismo tanático, cuanto más para no hacerse cargo del vacío propio de cada uno.

Apuntando al personaje del  cuñado, a alguien le recordó “Los que fracasan al triunfar”, artículo de Freud, lo deja todo porque no es feliz. Es verdad que es como un cómic pero no de Caín y Abel. Sobre las hermanas, son dos caras de lo mismo, la una con la otra como en espejo, una invisible y la otra exhibicionista.

Hubo a quien no le gustó porque no le cuadraban los personajes. Se quedó con lo del cómic, Josephine es un ser invisible y que no sabe lo que vale, es su hija la que revelando que es ella la verdadera escritora, le permite vislumbrar que hay un brillo para ella. Todo gira, a los malos les va bien y a los buenos mal. Josephine no cambia, esto está por ver. La escena final con la hija, podría indicar que ha habido un cambio que la lleva por la vida a otro lugar pero… es inquietante su expresión allí, su hija habla como Iris...

Terminada la tertulia, festejamos el final de esta etapa con unos exquisitos canapés ofrecidos por el Café Isadora, testimonio de la cálida acogida de sus dueños y el buen clima con el que se desarrollan nuestros debates.

Hasta septiembre y ¡¡felices vacaciones!!

Marta Mora

Crónica 98

Por Mirta García - 10 de Junio, 2014, 13:53, Categoría: CRÓNICAS

Crónica nº 98

“El Pasado

de Asghar Farhadi

Mirta García Iglesias

Coordinó la tertulia Marta Mora. Nombró algunos filmes del director como  A propósito de Ely” y “Nadir y Sadim, una separación”, película que obtuvo un Oscar a la mejor película extranjera.

Siendo “EL Pasado” su último metraje, nos decía Marta que este director desea  continuar investigando acerca de la condición humana. No hace juicios morales, intenta comprender lo humano de cada uno.

Comentó que el director en una entrevista adujo que los hombres son más bien conservadores, las mujeres lo son menos y miran más hacia el futuro.

En cuanto a los personajes, Lucy tiene un secreto, su madre dice que la está volviendo loca. En cuanto al hijo de Samir, presencia, escucha e interpreta todo. Ahmad no toma de forma textual lo que le dicen y busca un más allá.

Hacia más de la mitad del filme, se desvela el secreto, ante lo imposible la gente busca respuestas, se pregunta si es culpable, qué es lo que ha dejado de hacer, o de decir, etc, etc.

Nos plantea la problemática de una pareja y la crisis de la misma, donde los niños sufren este devenir de los adultos. Los actos de los adultos tienen consecuencias en los niños.

Resaltó la metáfora al comienzo de la película, cuando los personajes se ven a través de un cristal, pero no se oyen, no se escuchan. El director recurre a las metáforas, por ejemplo los muebles tapados, el hecho de desatascar el fregadero, índices de la necesidad de desvelar lo que está oculto, escondido. Los pilares de la película son la imposibilidad de la comunicación y la culpa.

Le recordó la estructura de un puzzle, al principio los personajes están desubicados y poco a poco van posicionándose. Se hizo mención a los diálogos, que son concisos, precisos y más aún los silencios.

Se destacaron varias escenas: los dos hombres en la cocina en silencio, formato similar a los de los western, cuando vemos  a los pistoleros enfrentándose; la escena del metro, del padre con el niño, cómo reacciona el padre;  la escena de los niños pidiendo perdón por haber sacado los regalos de la maleta; la escena del niño cuando pregunta por qué está conectada, si ella quería morirse y finalmente la escena final, la imagen de las dos manos y la lágrima que asoma en el rostro de  la mujer.

En cuanto al director, gran admirador del cine de Hitchcock; se lo calificó de excelente guionista, buen director de actores, gran dramaturgo, sus diálogos intentan decir más de lo que dicen. No recurre al uso de la música en el filme, prefiere valerse de los ruidos del entorno, la música la utiliza en los créditos. En cuanto a la filmación de los exteriores, se opinó que no están bien filmados, quizás porque a Farhadi la ciudad le es ajena.

En cuanto a los personajes, a Ahmad se lo consideró el personaje más cálido, más acogedor, él irrumpe desde fuera y descoloca lo que aparentemente estaba ubicado, se manifestó que se queda en la casa por los hijos, gran amante de la verdad y conocedor de la depresión por haberla padecido.

En cuanto a Marie, se destacó la relación tan dura que mantiene con su hija Lucy, esta mujer tiene muchos motivos para no sonreír, no sabe lo que quiere, no tiene culpa de nada, no quiere saber nada de su pasado, su empeño está puesto en seguir para adelante, en ocultar, es la que menos habla, la más crispada.

En cuanto a Lucy, está deprimida, intenta por todos los medios forzar la destrucción de la pareja. Interesante el hecho de que la película gire alrededor de un personaje que no está.

Se remarcó que cada uno de los personajes está inmerso en su goce particular, la madre en el goce de la repetición, Ahmad en el goce del mediador y Lucy en el goce de la desobediencia. La empleada en su intento por salvarse, comete un acto que no es sin

consecuencias.

Los personajes femeninos están siempre enfadados, violentos, mientras que a los masculinos se los presenta más pacíficos.

A algunos les pareció un poco largo su metraje, pero hubo acuerdo unánime en cuanto a su factura, se la considera una película muy bien construida y ante cada confesión de los personajes, cambia el prisma del espectador.

En cuanto al tema de la verdad, ésta suscitó interrogantes, tales como si la verdad libera o no, si se puede soportar, y vemos más bien que los personajes soportan la vida, más que vivirla.

Citando a Lacan con su conocida frase que dice que sólo el amor puede hacer condescender el goce al deseo, se llegó a la conclusión que circula poco amor entre los personajes.

Crónica 97

Por Mirta García - 8 de Mayo, 2014, 11:22, Categoría: CRÓNICAS

Crónica nº 97

Mirta García Iglesias

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!

Director: Guillaume Gallienne

 

 

Coordinó la tertulia Pilar Berbén. Comentó que esta película es una adaptación de la obra teatral del mismo director, pieza en la que el actor francés interpretaba a todos los personajes. Ganadora de numerosos premios, el comediante francés se reserva el papel principal de la cinta y además interpreta a su madre, en una labor que muestra las mayores dosis cómicas del film.

 

La historia se centra en Guillaume, un hombre que se encuentra en plena búsqueda de identidad sexual debido a su adoración maternal. El personaje siente tanta veneración por su madre que le hará dudar si el querer mimetizar en sí mismo a su progenitora es debido a una posible homosexualidad, aunque su familia ya se le ha adelantado a la hora de catalogarlo.

 

La relación madre-hijo es el eje central en el que se sustenta esta comedia, medio que Gallienne domina con solvencia, haciendo funcionar una estructura narrativa desenfadada que no duda en cabalgar entre lo hilarante y lo picaresco.

Hizo referencia al título de la película, donde en el mismo título se señala que están los chicos por un lado y Guillaume por otro.

 

Los tertulianos dijeron que el director es actor de teatro desde 1998. Se destacó el guión y se puso de manifiesto que para Gallienne el filme ha significado un gran desgaste físico y emocional al haber desempeñado tanto el papel de actor como de director y guionista.

 

Se destacó el buen uso que el actor hace del francés, así como su actuación; el filme es un canto al derecho a ser distinto.

Al ser una adaptación teatral, el peso está puesto en el texto más que en la imagen. Resulta más teatro filmado que cine. Interesante el montaje, el cómo enlaza el teatro con el cine.

Hay una cierta tendencia almodovariana, crítica feroz a la burguesía, recuerda a la filmografía de Godard y a la obra proustiana en esa capacidad de contar sus experiencias.

Crítica a la sociedad francesa, no es casual que la ley del matrimonio gay aún no ha sido aprobada.

 

El significante comedia no se ajusta bien a la película, es un drama envuelto en una comedia. Observamos que el actor se desmaquilla cuando sale a escena, como desnudándose. No vive su vida conflictivamente, sino que su vida es una búsqueda constante para saber quién es.

 

Se señaló que la madre cría a uno de los hijos de forma diferente, tal vez porque hubiese querido tener una niña.

La familia le asigna un rol, lo tratan como si fuese homosexual y él encuentra su identidad sexual cuando se enamora de una mujer. Precisamente el encuentro se produce cuando se ha desembarazado de su madre.

 

Se hizo referencia a una madre excéntrica, fría, y a un padre débil y pusilánime. ¿Cuál es el motivo de que este sujeto quiera ser como su madre? Quiere ser como su madre, porque de este modo él cree que conseguirá su amor.

 

Es un hombre estragado, las palabras de la madre lo significan como chica. Se subrayó que la elección sexual no pasa por lo biológico, la identidad sexual no viene dada de fábrica, se tiene que asumir, siendo la sexualidad de cada uno radicalmente singular. Aunque para algunos tertulianos su toma de conciencia es tardía, esa pulsión debería haberse manifestado antes.

 

Se resaltaron algunas escenas, la de la piscina cuando sufre un desengaño amoroso y la escena final cuando le comunica a su madre que se casa y la madre le pregunta, ¿con quiénes?

 

Se remarcó la fuerza de la ficción como soporte potente de la verdad, observamos a toda la familia reunida viendo la representación. En la vida corriente era un ser excluido, sin embargo algo de la verdad puede ser dicha a través de la ficción.

 

La película es un cierto reflejo de lo que puede ocurrir en una experiencia analítica, en el sentido del desvelamiento, uno se hace cargo de un saber.

 

Pilar dio cierre a la tertulia, remarcando el cómo este hombre puede a través de su arte, hacer algo con esa experiencia de vida, recordemos que se trata de una obra autobiográfica.

 

 

 

 

 

 

Crónica 96ª. Agosto

Por Pilar Berben - 25 de Marzo, 2014, 21:51, Categoría: CRÓNICAS

 

Crónica 96ª

"AGOSTO”

Director: John Wells

Por Pilar Berbén 

Inicia esta tertulia Mirta García, haciendo un recorrido por la película que está basada en la obra teatral de Tracy Letts,  ganadora de diversos premios, entre ellos el Pulitzer, siendo el mismo dramaturgo el autor del guión cinematográfico.  

Narra la historia de la familia Weston. Cuando están reunidos, con motivo del funeral del padre, todos los personajes se sienten interpelados por la madre (Meryl Streep) y van apareciendo secretos y  reproches.  Ésta es  un personaje estragante que le recuerda  a las películas que ya comentamos anteriormente como “Precious” y “El cisne negro”.  Explica brevemente que en el diccionario estrago quiere decir: Ruina, daño, asolamiento, pero para los psicoanalistas el estrago materno es esa posición esencialmente insaciable, omnipotente, donde el padre no ha sido un mediador que ordene y regule la ley insensata y de exceso de la madre, Lacan  equipara el deseo materno a la boca de un cocodrilo presto a devorar al niño, de no ser por la intervención del padre.

Un ejemplo de esta intervención aparece en la película cuando el pequeño Charles llega tarde y su madre le recrimina ácidamente. El padre para a la madre diciendo:  “…No te vuelvas a meter con nuestro hijo, si llega tarde no pasa nada…” Este es un padre diferente.

En los personajes queda muy acentuada la dureza y falta de mesura en las mujeres y la debilidad de los hombres, que no  asumen su  responsabilidad, se suicidan o se van.

Estos son los personajes que aparecen en la película, el padre con la voz en off, contando su amor a los libros, sumergido en el alcohol y la madre adicta a los fármacos, curiosamente con un cáncer en la boca. Esta mujer se sostiene en su vida por el ataque que hace a los seres queridos, no hay ningún filtro que la pare.  La madre trasmite lo peor,  odio, resentimiento culpabilidad. Ninguna hija sabe qué hacer con su vida. Es una madre cruel. No se vislumbra nada del orden del amor.

Una de las hijas tiene cáncer de cérvix, nadie en la familia lo sabía. Otra está separándose, Barbara (Julia Roberts) quien tal vez sea la más afectada, incluso parece que es la que encarna a la propia madre.  La otra hija tiene un amor en secreto.

Resalta la escena de la comida, después del funeral, cuando les hace poner la chaqueta a  todos los hombres. Desprecia a la empleada india, siendo la única que pone ley en esa casa, dando un golpe al personaje que intenta drogar y sobrepasarse con la adolescente.

Mirta pasa la palabra a la sala con la frase: “La familia es una fuente de conflictos; uno escapa pero no es sin consecuencia.”

Algunos comentarios sobre la película: En general  gusto mucho, aunque en el decir de una persona la mantuvo “con el corazón en un puño” por lo dura que le resulto. Otro apuntó mucha frialdad en algunas escenas. Se trata de palabras y más palabras.

Se comenta la decadencia y decrepitud del padre contando a la criada que está  harto de todo y le regala uno de sus libros, presentándole a su esposa como un captus “la que pincha”.

El poco amor que aparece está en el personaje de la india cuando prepara el desayuno. Quizás ella puede soportarlo porque no es familia. Desde el silencio, sin hablar, no pierde una palabra, sin  olvidar la última escena, cuando acoge y abraza a la protagonista.

La tremenda y sobrecogedora escena de la protagonista recordando cómo su madre fue cruel con ella,  contando el supuesto regalo de las botas que tanto deseaba y esta misma crueldad la repite ella con sus hijas.

Película rica en matices, con la familia puesta en acto, sólo tenemos que recordar nuestras  cenas navideñas. La novela familiar de cada uno y cada uno con su papel, se reedita todo como si el tiempo no hubiera pasado; estás atrapado en ese lugar, es la manera de gozar de cada uno y uno entra en la escena y repite.  Sólo tenemos que recordar la escena en donde la hija trata de quitarle las medicinas, (los hijos a veces tiene que toman las riendas de la vida de los mayores) y le dice: “Ahora mando yo”. ¡Qué sadismo! Sigue la línea materna, aunque puede haber otras salidas. Uno no puede poner ese peso en los hijos. Hay un punto donde se puede hacer lo  mismo que los padres, pero también hay una tercera vía. Se puede elegir.

Con respecto a la novela familiar se explica que repetir la escena y salir, no es sólo una cuestión física, es un lugar, porque necesitamos tener un sitio y cuando alguien cambia de posición en la familia, cambian también las expectativas y empieza a ocurrir algo más saludable. Pero se apunta también la dificultad para cambiar de posición por la satisfacción  que produce repetir ese papel ¿Cómo hacer con eso? Dejando en paz al otro; no estar tan afectado por su manera de funcionar.

Otros comentarios sobre la familia:  “La familia tiende a desaparecer, pero es una institución que si no existiera habría que inventarla” “Es una familia del desamparo. “Mejor no decir nada de cualquier problema.” “Hay familias del silencio, todo queda en secreto.”

Es difícil abrazar a una madre así,  odiosa, agresiva, egoísta, sólo piensa en ella cuando el marido deja una nota diciendo dónde está y que se iba a suicidar. No le importa nada.

Se nombró uno de los clásicos del cine: “La gata sobre el tejado de zinc” ya que también en este films se reúne la familia por la muerte del patriarca, aunque con diferente temática, ya que ésta profundiza en las relaciones paterno-filiales y temas como el amor y la hipocresía desfilan entre la maestría de  sus intérpretes y diálogos.  En lugar de un drama familiar, esto es una telenovela expresada en 2 horas. Para otra persona este es un mal aprendiz de Tennessee Williams, pero tiene vías de redención y cierta lucidez, cuando, con unas pocas palabras y mucha contundencia, se carga a las tres hijas ¿Ya estáis separados? ¿Estás casada? ¿Con cuántos?  ¿Ya te has enterado que es tú hermano?

En cambio hay diferencia entre el trato de la madre con las hijas y el de la hija mayor con sus hermanas, asumiendo la responsabilidad y la trasmisión de los secretos.

Se hace una pregunta sobre si la novia y el hermano se marchan juntos y sobre el incesto. Se contesta: Es una ley universal. Todas las sociedades regulan la relación sexual entre individuos. En "Tótem y Tábu" Freud introduce el mito original de la muerte del padre de la horda primitiva, seguido de la expiación de los hijos, para dar cuenta de esta prohibición que signa los principios de la cultura y de la humanidad como tal.

Una relación incestuosa es un obstáculo para que pueda desarrollarse el deseo. Gracias a la represión que aporta la sexualidad, hay una búsqueda de la vida fuera. Cuando alguien se sobrepasa, las consecuencias son catastróficas, pudiendo desestructurar gravemente el desarrollo psíquico y relacional y en múltiples ocasiones es difícil de superar este trauma.

Sobre el mismo tema se formulan las siguientes preguntas ¿Qué pasa en la familia cuando hay secretos? ¿Qué pasa cuando un niño y una niña no saben quién son? No se ha producido una represión entre ellos. Estos hermanos nunca supieron de su parentesco, de niños no han vivido como hermanos.

Relacionado con este tema se menciona la Película “Canino” de Giorgos Lanthimos y el libro “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez. 

Por último, se menciona de nuevo un recuerdo especial para nuestro contertulio Antonio Hernández  al que echaremos mucho de menos, así como para el recientemente fallecido expresidente Suarez  

Sin tiempo para seguir debatiendo, terminamos dando las gracias al Café Isadora y a su gente que con tanto cariño nos atiende.

Nos vemos el próximo 25 de abril.

 

Pilar Berbén

 

Crónica 95. El lobo de Wall Street

Por Mirta Garcia - 25 de Marzo, 2014, 21:47, Categoría: CRÓNICAS

EL LOBO DE WALL STREET

Crónica Nº 95

Mirta García Iglesias

Coordinó la tertulia Mercedes de Francisco. Comparó esta película con otro filme de Scorsese Casino, donde también una voz en off nos va relatando los hechos.

 A nivel de la literatura le recordó a la novela de José Saer, El entenado donde el autor nos va mostrando lo que ocurre en ese grupo humano en su encuentro con los indios. Verdaderas escenas de barbarie. Y este metraje muestra muy bien la barbarie, hasta dónde pueden llegar los seres humanos en su afán de ganar dinero sin poder parar, cometiendo cada vez más excesos.

Insaciables, no saben qué hacer con tanta insaciabilidad, parecen hombres en la selva, en este caso, la selva es la oficina. Aparentemente hay lazo entre ellos, pero el amo es el  dinero y lo que los une, es el cómo sacárselo a los otros.

Hizo mención a algunas escenas de la película. Una de ellas, al comienzo del filme, (escena del restaurante) vemos al joven trabajador, parece un chico normal, su  mujer es peluquera, el jefe le enseña cómo hacer para rendir suficientemente. Es necesario masturbarse y drogarse.

Escena en otra empresa: lo vemos al joven tratando de vender algo que no existe. Clara metáfora del capitalismo, cómo vender humo y vemos una verdadera satisfacción en ese engaño. Unos promueven la trampa y otros caen en ella.

Su padre en un momento le dice que ya debe parar, en un principio acepta, pero luego cuando ve a todos sus empleados reunidos en la oficina se da cuenta que no puede hacerlo. Interesante observar como estos brockers son los que sostienen el sistema.

Muestra también la degradación de la vida amorosa, su segunda esposa es un trofeo, luego rápidamente se convierte en un desastre.  Este filme nos enseña muy bien el despliegue de la pulsión de muerte.

Citó un artículo de Ruth Toledano del periódico diario.es , donde la articulista narra como la Guardia Civil en Ceuta, ve como los inmigrantes se ahogan y no hacen nada para salvarlos, alegando obediencia debida, y cómo esta película muestra eso precisamente, cómo alguien es capaz de sacar dinero, mientras los otros se hunden.

Un tertuliano no estuvo de acuerdo en comparar esta película con el tema de Ceuta, además manifestó que aunque el filme haya recibido muchos premios, le pareció un bodrio, mostrando todo el tiempo a la gente follando y drogándose.

Hubo acuerdo unánime en considerarla una película del exceso, que muestra muy bien la obscenidad, la falta de moral, la corrupción.

Se destacó la brillante actuación de Leonardo Di Caprio y la música también fue elogiada.

Algunos recordaban los discursos de Hitler, donde las masas demostraban el amor a su líder, como ocurre también en las sectas religiosas.

Sujetos sin ética, descarnados, consumidores a la vez que consumidos. A algunos les pareció  su metraje demasiado largo, con un estilo demasiado hollywoodense , provocando efectos de aburrimiento, estremecimiento, soledad, angustia, plásticamente muy homogénea.

Otra tertuliana la consideró una obra maestra, le recordó la novela de Kafka, La metamorfosis haciendo alusión a la escena donde se arrastra hasta llegar a montarse en su coche. Comentó que no aparece en el filme, nada del orden del amor.

Se explicitó que cuando una civilización desvaloriza el amor, está en decadencia.

Otro de los presentes argumentó que se trata de un timo, donde hay dos timadores, el que tima y el que trata de ser timado. La gente se deja comprar, porque quiere comprar.

Se resaltaron escenas muy buenas, tales como la del FBI, la del coche, donde parece un reptil por la manera de arrastrarse, es un buen encantador de serpientes.

Alguien subrayó que el propio brocker, Belfort, le comentó a Di Caprio que Scorsese no se animó a filmar algunas escenas que ocurrieron en la vida real. Sabemos que Belfort luego de cumplir una condena de veintidós meses, se dedica ahora a vender cursos de autoayuda.

Otro tertuliano argumentó que la película define bien al capitalismo especulativo, éste funciona porque a la gente le pasa algo en el cuerpo, hay satisfacción en el cuerpo. Unos ganan y otros pierden. Existe perversión al sentir que el otro es un enano, un pringado y yo soy cojonudo. El cuerpo debe mantenerse excitado. El capitalismo especulativo puede prescindir de los brockers, el propio estado asume ese papel.

Se adujo que el dinero es el objeto que justifica esa voluntad de goce, encarnada muy bien por los políticos.

Por último, se recordó la última escena, cuando el policía viaja en el metro, observando a los viejecitos que están sentados enfrente de él, verdadera metáfora de la soledad.

Concluyó otra amena tarde de debate en nuestro preciado café Isadora.

Crónica 94ª

Por Marta Mora - 28 de Enero, 2014, 21:01, Categoría: CRÓNICAS

Crónica 94

“Sobran las palabras”.

Director: Nicole Holofcener.

17/10/14

 

 

Coordinó nuestra colega Olga Montón que señaló algunos aspectos para el debate. Comentó esta historia de amor entre maduros divorciados y la dificultad que surge cuando el amor está bajo le égida de los ideales, y por tropezar con ellos, aunque este amor parece nacer desde la falta, corre el riesgo de malograrse. Cuando los protagonistas se encuentran en una fiesta, entablan un dialogo donde en las coincidencias de apreciación aparece la señal de un deseo. “Nadie me atrae en esta fiesta” dice Albert pasando de galanterías y  ella coincide pues parece no pensar que las mujeres deban acicalarse y embellecerse para que los hombres las amen. Una señal de la posibilidad de un deseo: encontrar en el otro lo más intimo de uno mismo. Así parece anudarse goce y deseo. Los une al principio algo en común íntimo y singular.

Citó también una frase de “Un nuevo amor” de Mercedes de Francisco: “Cuanto más se aleje la mujer de su íntima verdad, más apresada en “la mascarada” quedará y lo que era concesión con vista a conseguir el amor de un hombre, se tornará su “falso ser”” que hace a la dificultad de la mujer y el amor.

Una cuestión importante indicó, es la función de la otra mujer en la histeria: “la otra”, a la que se le supone un saber sobre ser mujer pues la posición sexuada, para el psicoanálisis, no está dada por la anatomía. Eva identificada a la pintora, se deja arrastrar por la mirada de ésta sobre el hombre que ha sido su marido y mirará entonces a Albert desde el ideal.

Y como punto final, comentó la difícil relación madre-hija, obstaculizada por “la novela familiar” y la facilidad, cuando esto no ocurre, para relacionarse con los hijos de otros. Terminó comentando que la elección de esta película ha sido como un homenaje al actor Gandolfini, fallecido, protagonista de una serie memorable, “Los Soprano” y su estupendo trabajo en esta historia, donde hasta la voz es distinta a la del gangster de la serie. Esta es su penúltima película,

El titulo, “Sobran las palabras” lo relacionó con lo que le sucede a las dos mujeres, la poetisa y la protagonista, atrapada en las palabras de la primera.

La discusión empezó por el final de la película: Volverán? No volverán? Unos, al verlos juntos, se inclinaban porque sí, otros porque el final era abierto.

Alguien indicó que  volver o no volver depende del deseo, coinciden en la ironía, la clave es que ella insiste en la relación con la otra. Ella masajista, trabaja con el cuerpo, tiene un saber sobre el cuerpo y ahí no se necesitan palabras dijo alguien, asociando con el título y Eva no es consciente de que arriesga el amor con el hombre, que después de años, azarosamente se ha encontrado. Le pareció muy bien mostradas las relaciones con la hija, con la amiga de la hija, con la asistenta, con la amiga casada, insatisfecha de su matrimonio y creyó intuir también un  metamensaje sobre la pareja en general.

Otro, tomando la frase de Ortega y Gasset, “El amor es el estado de suspensión del juicio”, dijo que no sabía si volverían porque el amor es no darse cuenta y aquí...

Alguien opinó, acordando con la frase y señalando la paradoja en que Eva cae. En la identificacion con la otra, aunque no ha visto lo que la otra le cuenta. El amor más maduro conoce los defectos del otro pero va más allá. No hay nadie perfecto. Como ambos vienen de una relación fracasada, Eva quiere saber más de Albert para ahorrarse sorpresas.

Sobre el ahorrarse tiempo y sinsabores alguien señaló que el ahorro en el amor no va, el ahorro para los bancos!. El final le pareció bien, le ha encantado y en la posición infantil de la comedia, se pidió ser el protagonista. Le pareció muy bien que él retome la relación con ella. Si él no sabe que la mujer tiene esas cosas… amar sería superar que el otro pueda saber de ti más que tu mismo.

Para otro la película le sugirió la tolerancia y el compartir que no vió entre Albert y su ex. Le descubrió una actriz maravillosa, que habla con el gesto y la mirada.

Otro dijo que el amor verdadero es conocimiento, es el que te ayuda y saca de ti las mejores cosas.

Otro opinó que el amor verdadero sería respetar el goce del otro, el amor en la fase inicial tiene eso del trastorno mental transitorio, en el amor y en el desamor hay mucha carga subjetiva porque lo que al otro le resultaba odioso a uno no. La verdad es lo que transforma a uno pero no al otro.

La escena de Eva subiendo sola la maleta por la escalera y el cliente arriba mirando fue también tema de discusión. Se dijo que no somos autosuficientes, hay que saber pedir y hay que saber si vas a ser capaz de aguantar al otro pero el problema es que el otro tampoco es igual contigo.

El ahorro, el conocimiento, el riesgo dieron lugar al surgimiento de la tendencia a la evaluación de la época, el cálculo, poniendo como ejemplo de esto a las agencias que buscan la pareja compatible donde parece necesario un tercero. Las cosas del amor no van por ahí. Le gustó esa costumbre americana de las citas, entre gente madura no es fácil el encuentro y vivirlo es mejor que un tercero.

Sobrevoló todo el tiempo la pregunta Porque calla ella? Para unos por temor a fracasar de nuevo y por ahorrarse lo que no se ve en los inicios. Algo de ella se deja llevar  por las situaciones, no decide nada, es su tendencia, igual que con la hija o con el cliente de la escalera.

Sobre la frase de Albert “me has roto el corazón” a algunos les pareció excesiva, si hay una situación, se habla.

Alguien apuntó que el cambio de Eva es porque ella reflexiona y por eso cambia, y otro señaló que no hay ahí “reflexión”. Hay un acto de Albert cuando le dice “me has roto el corazón” y rompe con ella. Hay un antes y un después de ese acto, no es algo consciente. La posición de ella es tapar la falta, porque pedir es reconocer que no lo tiene todo, es reconocer su castración diríamos los psicoanalistas.

También se señaló que la carga de soledad de los personajes agudizada por el nido vacío, es un punto de encuentro. Ella es capaz de pedir ayuda para subir la maleta, cuando ha aceptado su falta, después de la frase de Albert.

Otro apuntó que Eva no afronta nada, vive lo que se le va dando, y no es cabreo lo de Albert, es decepción. En la última escena, cuando ella va a su casa, no sale del coche hasta que él sale y la mira.

De la pareja amiga, se dijo que ella es una persona cargada de insatisfacción y las relaciones  son desde el miedo y la decepción de su matrimonio. El director nos muestra el fracaso y que si alguien inicia una relacióna y una amiga dice “es mi ex”, lo lógico sería preguntar.

Sobre el silencio de Eva, la pregunta fue ¿Que es lo que le pasa? Porque se queda y se calla? Y se respondió que justamente la neurosis, es no querer pagar el  precio. Ella quiere saber de Albert sin pasar por la experiencia de conocerlo.

Alguien tocó dos temas, las relaciones adultas con experiencia previa, el respeto al otro, no intentar cambiarlo. Tocados por algo en común, el camino hay que recorrerlo. Ella necesita contrastar, en ningún momento se para a pensar.

Otro indicó que le gustó la película, que está cargada de erotismo y muy refrescante por su lenguaje no verbal. Eva es una mujer como cualquiera, nos muestra la vida cotidiana con sus trivialidades, el devenir de la vida. Eva tiene un saber sobre el cuerpo pero no se interroga, como por lo común nos pasa cuando algo nos atrapa y no nos paramos a pensar.

Se insistió en un aspecto. Cuando ella sube la maleta, puede ser un hombre o una mujer, somos seres sociales y cuando pide al otro, ese otro no se ha dado ni cuenta y exclama “¡esto pesa mucho!”. Saber pedir no es un tema tangencial, pedir está relación con aceptar la falta.

Alguien se preguntó ¿porque la directora empieza con la amiga?, decepcionada del marido, que cambia los muebles de sitio cada dos por tres. Sobre los cambios de muebles lo vio como que ella cambia las cosas pensando que puede cambiar algo subjetivo.

Muy bueno el golpe de Albert cuando en las últimas escenas le dice que ha comprado las mesillas…luego confirma que no y la risa de ella. ¿Es  posible que las compre al final? Si él hubiera sabido lo que a Eva le molesta, a lo mejor hubiera cambiado…

Ante eso alguien dijo ¡Pero sería otra película!

Otro señaló que Albert es muy consciente de lo que quiere y de lo que no quiere, como con las mesillas. Los dos tienen una segunda oportunidad pero desde un punto de partida diferente.

Alguien señaló que las relaciónes se dan porque somos carentes. Si no? Que cada uno asuma que va desde la falta, hay que ir desde la incompletad y repitió la frase de Lacan: “amar es dar lo que no se tiene”. Otro que no falla en nada es un peñazo. En Eva la aproximación al barrio es ya algo del orden de la pregunta, ¿Me dará una posibilidad este hombre?.

Se indicó que no se cambia a voluntad, solo si se pasa por un análisis y ante aquello que hace obstáculo para vivir. A una persona que la dejan siempre, en un momento piensa si algo en ella provoca eso. En la pareja se cede goce,  también en todas las relaciones, porque si no sería imposible vivir.

Ante esto alguien acordó con lo dicho antes y comentó que cuando se plantea cambiar, lo logra poco: Si esto es así para uno, le parece que intentar cambiar a una mujer sería una arrogancia.

Se marcó también que Albert no cambia, parece débil y es el fuerte porque él es el del deseo decidido, sabe bien lo que no quiere más.

Cerramos la tertulia como siempre, con gente dispuesta a intervenir y el tiempo como impedimento, disfrutando de la hospitalidad del café Isadora y su gente y con una pregunta interesante formulada así: ¿Por qué hablamos de comedia si más bien es una tragedia?

Los esperamos la próxima!!!!

 

Marta Mora

 

Cronica 93ª

Por Marta Mora - 26 de Noviembre, 2013, 12:30, Categoría: CRÓNICAS

Crónica nº 93

La vida de Adéle

Director:  Abdellatif Kechiche

Coordinó esta tertulia nuestra colega Graciela Sobral, señalando puntos a destacar para el debate: La entrada de Adéle en el amor y el deseo y la entrada en el mundo adulto. La adolescencia para el psicoanálisis tendría dos momentos, el de realizar la experiencia del sexo y el deseo bajo la idea fantasmática de que el encuentro es posible. Hacer la experiencia del amor, de lo posible sobre el fondo de lo imposible, que no es solo en la adolescencia. Adéle hace un recorrido para hacer con lo imposible y descubrirá que el goce sexual no garantiza el amor y que no existe el objeto completo, para siempre. No le pareció una película sobre el amor homosexual sino sobre el amor, Kechiche no pone de relieve lo que es para una mujer el amor, aunque presenta a Emma muy masculina, lo que pasa entre ellas es igual a lo que pasaría entre Adéle y un chico. Y terminó la presentación con una frase de Cortázar:

 “Como si se pudiese elegir en el amor, como si no fuera un rayo que te parte los huesos y te deja estaqueado en la mitad del patio”.

En general las opiniones sobre la película fueron que no resuelve enigmas, que habla de personas corrientes y del amor, por lo que si nos atreviéramos a rechazar la relación lesbiana, deberíamos rechazar las relaciones heterosexuales. Muy bella. Pese a la duración de tres horas, la mayoría no se dio cuenta del tiempo transcurrido. Muy real, que da igual si la relación es homo o hétero, que llama la atención el exceso en la duración de las escenas de cama. Que toca muchos palos como la inmigración, el rechazo social, el rechazo al amor homosexual entre mujeres, las diferencias de clase social, lo multirracial.

Se recordó que fue estrenada en Francia,  en plena efervescencia social por la aprobación de la ley sobre el matrimonio homosexual. Que es novedoso el tratamiento sobre el amor entre mujeres, por más explicito. Ante la polémica sobre las quejas de las actrices, al final del rodaje, sobre la exigencia del director de repetir escenas, casi  perversa,  alguien opinó que este “exceso”, no fue solo en las escenas de sexo. La escena del flechazo la repitieron muchas veces y le pareció que como en las sesiones psicoanalíticas, cuanto más cansados, menos represión y mejor sesión. Repetir hasta casi la extenuación, parece el intento del director de que surja como en el flamenco, “el duende”, la expresión no controlada o actuada, la verdadera. El exceso en las mujeres, el exceso de la pasión, el exceso infructuoso de que dos sean uno.

Hubo quien nos agradeció la elección y señaló que no trata el tema lésbico como el cine comercial y destacó el realismo de la escena del café.

A otro le molestó tanto primer plano. Y aunque le pareció pesada y larga, curiosamente la recomendó por el tema del amor.

Se dijo que trata de la relación de poder en las parejas tanto homo como hétero, Ema tiene más proyección social y más experiencia en el amor, Adéle aparece sometida.

Alguien señaló que el tema es la vida de Adéle y ese enganche tan fuerte con Ema, quien aparece como fría, ambiciosa, buscando un pretexto para dejarla sin piedad, (se oyó “como un hombre”...) El director lo marca desde el principio con las tomas de la mirada sesgada de Ema, de medio perfil mientras a Adéle la filma de frente, apareciendo dividida, conmovida desde el principio, ocultando, mintiendo, negando.

Adéle se abre al deseo, fue otra opinión, primero en una relación con un chico, descubre que allí no desea. Con Ema se produce el flechazo. El problema es como estar en el deseo y no en lo imaginario. Su deseo está puesto en ser maestra, desde pequeña y ese deseo la sostiene ante la pérdida del amor, su trabajo con los niños, su pasión por enseñar.

Quien se quedó impactado y capturado las tres horas, duración que no padeció, le pareció que la cámara no se mete donde no la llaman, que hay un enorme trabajo de captar lo real desde el primer momento, con las miradas, las bocas, las expresiones de la satisfacción y del dolor. La intensificación de lo real. Lo que mas le atrajo fue el tratamiento de la pérdida del amor, como aceptar que las cosas no cuadran. Juega con lo real, con el “no hay”. Está bien para los hétero ver una película como esta!, el amor es así, el amante y el amado y alguna vez cambia. El amante da, con el cocinar, con el cuidar, con trabajar para la fiesta, el amor es así.

Hubo a quien sí le pareció larga, pesada, y no le gustó que el director piense que si no explica no se va a entender. Está demás mostrar las diferencias de clase de las familias de ambas como en los almuerzos, unos ostras y otros espaguetis. Sobre la sexualidad le pareció curioso que cite un poema  sobre la ley de la gravedad, la sexualidad no es algo de la naturaleza. El director resuelve que Adéle no es heterosexual con prisa y pinta a Ema como un personaje que se realiza en la pintura. Le gustaron mucho los últimos 20 min., las dos actrices están extraordinarias.

Otro dijo que hemos podido ver hoy esta película, antes no. Es novedosa en su intento de acercarnos a la realidad. “Shame”, “El cisne negro” que hemos debatido aquí, no tocan el tema explícitamente. Es una película meritoria, para Kechiche es su primera película basada en un cómic. La autora no aceptó esta versión y él ni la citó al recibir el premio. Tiene un aire de cierto “malditismo”.

En la pura ficción, se pregunto, ¿que pasará con Adéle? ¿Que pronóstico para ella?.

Otro retomó la duración de las escenas de sexo. Le pareció un intento de construir algo, tal vez la sensualidad y la pasión de Adéle, una personalidad sin hacer antes de caer en las redes de una mujer más experimentada. Calculó que Adéle tiene al inicio 15 años, Ema le lleva ocho años, aunque pronto aparece la fiesta de los 18 años.

Otro tema a debate fue el rechazo social hacia Adéle. Ema, es detectada enseguida por sus compañeros como lesbiana, “marimacho” le llaman, hay cierto racismo y le pareció bien que se apunte esto en la película. Es curioso que los  jóvenes sepan de la sexualidad del amigo y no lo cuestionan.

Retomando la discusión sobre si es amor lésbico o no, a otro le pareció que sí es una relación lésbica y que es el rechazo social lo que causa de la dependencia de Adéle y la lleva a la soledad. Se dijo que es amor lésbico pero en lo social. Se señaló el silencio de Adéle y que no parece que esté decidido que sea homosexual, queda abierto en el final…

Habla de la femineidad y las mujeres dijo alguien. Problemas con la autora porque falta el punto de vista femenino. Al gay nadie le dice nada, la intención es hablar de las mujeres, de como van a encontrar su lugar en el mundo.

Quien estuvo en la Premier, dijo que sí es una  película lésbica porque es amor entre dos mujeres, por fin vemos una obra artística sobre lo lésbico!. El gay pasa desapercibido porque ya tiene mucha visibilidad hoy.

Otro dijo que es una película física, ¡que ilusión, por fin vengo al cine que vi!. Leyó el cómic, “El azul es un color cálido”, de Julie Maroh, y le pareció que falta un punto de vista homosexual sobre la homosexualidad, que es la fantasía de un hombre (hétero supongo). Y el conflicto de Adéle, ¿soy lesbiana? Que voy a hacer? No lo resuelve la relación física con Ema.

Sobre el rechazo social, otra lectura fue que el rechazo es aún lo habitual ante las relaciones homosexuales entre mujeres, se muestra en la reacción de sus compañeras, la llaman además traidora, porque son las últimas en enterarse.

Con muchas palabras pedidas y sin poder concederlas, agradeciendo la cálida acogida del café Isadora y la presencia de los asistentes, terminamos la cita de este viernes, con un OH!!! cuando anunciamos que no nos reuniremos en diciembre y que nos volveremos a ver en Enero del 2014.

¡¡¡¡Felices Fiestas para todos!!!!

                                                                                                                                                                                                                                              Marta Mora                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                  


Crónica 92

Por José Antonio Pérez - 27 de Octubre, 2013, 21:16, Categoría: CRÓNICAS

CRÓNICA 92ª

 

Por José Antonio Pérez

 

Como es habitual, el debate fue muy participativo y enriquecedor. Las opiniones se dividieron entre los que consideraron la película buena y los que la consideraron extraordinaria, siendo éstos últimos mayoría.

 

Hubo un consenso unánime en la excelencia de la música, ya fuera protagonista de la película o de acompañamiento, así como de las interpretaciones dramáticas sincronizadas, como en el cuarteto de cuerdas, para conseguir un objetivo común, destacándose la de Philip Seymour Hoffman, llena de matices y sin fisuras, y casi a su misma altura, la de Christopher Walken, en un papel al que no nos tiene acostumbrados y en el que ha dado lo mejor de sí mismo para transmitirnos la angustia que se siente cuando de improviso se empiezan a experimentar las sensaciones que anuncian la decrepitud, proceso que sobrelleva, por cierto, en su actuación, con una gran dignidad. En su caso, además, ve amenazado su futuro profesional que le exige ser atleta de las manos, pues su enfermedad, seguramente, le impedirá seguir interpretando.

 

Mención aparte mereció la consideración del título en castellano El último concierto, traducción muy pobre se dijo del original: A Late Quartet, que se podría entender con cierto lirismo como Un cuarteto crepuscular,  que constituiría un juego de palabras ya que podría aludir al momento de su vida en que Beethoven compuso la obra musical, objeto de la película, y a la situación del cuarteto que la interpreta.

 

La película se analizó con diferentes prismas: dramático, psicológico, ideológico, musical y cabalístico. Este último se trata en nota aparte, para no restar fluidez a la narración del debate.

 

Se consideró que el guión no decae en ningún momento, no nos tiene en vilo, pero no aburre, aunque hubo quien dijo que cuando la película abandonaba su homenaje a la música en general y a Beethoven en particular, decaía, ya que la liviandad de su trama la distanciaba de su magia y razón de ser. A la película la sostiene más la música que la trama.

 

El argumento, en el que ocupa, como se ha dicho, un lugar estelar la música, y dentro de ella, la interpretación de la pieza de  Beethoven, Cuarteto de cuerdas nº14 en do sostenido menor, opus 131, establece un  paralelismo entre los ensayos musicales y las peripecias personales de los músicos, lo que permite entender al Director, Yaron Zilberman, cuando decía que para hacer esta película tuvo como referencia inicial el proceso de desestructuración de una familia. Al igual que como músicos, los intérpretes tienen que lograr un todo armónico, como personas deben buscar la armonía que les permita convivir y actuar compenetrados.

 

El fondo dramático que tiene como referencia la pieza de Beethoven escogida no interpretada en público en vida suya y escrita dos años antes de su muerte, por lo que refleja toda la intensidad emocional de su mundo de entonces cuando ya estaba completamente sordo, limitación que recuerda la de Robert cuando se sabe enfermo de Parkinson, se adecúa a las tensiones que se desatan entre sus intérpretes, con un final abierto en el que no se sabe lo que ocurrirá. La Fuga musical, que, oportunamente, da nombre al cuarteto, está en el final de la película. Alguien apuntó a que la lisis como destrucción celular es necesaria para la regeneración, con la aparición de células nuevas. Esto ocurre con la música que es un proceso de recreación constante y con las relaciones personales que precisan del conflicto y de su superación para robustecerse bajo nuevos parámetros, con lo que asistiríamos a un proceso en el que la fluencia del arte de los protagonistas, como última etapa creativa vendría precedida por las etapas de adaptación, sincronización y deconstrucción/construcción.

No todos los contertulios opinaron lo mismo, ya que se señaló que las desavenencias, que se evidencian en un momento dado entre los componentes del cuarteto, habían estado reprimidas durante un cuarto siglo hasta que estallan. También se consideró por parte de un interviniente, que la película, fuera de su excelente recreación musical, era simple y lenta y que un grupo musical no funciona si la relación entre sus componentes no es buena. Alguien le refutó con ejemplos de parejas artísticas que, llevándose muy mal, eran capaces de actuar juntos, a lo que respondió que cuando se está en un grupo no es para disfrutar sino para sacar producto, pero que la buena relación es condición necesaria para el resultado artístico.

 

Otra participante trajo a colación el síntoma, que fue retomado en otras intervenciones. Se habló del síntoma que constituye al grupo, que, en su vertiente positiva, permite llegar al acuerdo para evitar males mayores. El síntoma sería el amor a la música de una familia con su propia novela familiar. Cuando una de las piezas del entramado interpretativo y familiar se derrumba, la armonía se destruye momentáneamente y el cuarteto parece amenazado, pero el plano profesional acabará trascendiendo a los otros planos. Los protagonistas se sacrifican por una idea. La hija, Alexandra, renuncia a una relación sentimental. Otro tanto puede pasar con la ruptura matrimonial entre Juliette y Robert. Cada miembro del grupo musical tiene en la vida un cometido similar en el cuarteto: El primer violín, Daniel, es la estrella; el violonchelista, es el hombre sabio, el que lidera; la viola, Juliette, aporta matices emotivos y románticos y el segundo violín, Robert, es el que amalgama a los otros tres, lo que le obliga a renunciar a un mayor protagonismo interpretativo. El cuarteto se mantiene porque cada uno de sus integrantes cede algo de su goce. Como dijo otro interviniente, el cada vez más acentuado individualismo que se va afianzando a través de la Historia hace que no obtengamos el reconocimiento al que aspiramos y las relaciones interpersonales se tiñan con un componente de violencia larvada o explícita que dificulta la consecución de la obra en común.

 

Hubo quien vio a la película como una partitura a la que se ajustarían las distintas escenas que responderían a los diferentes movimientos de la pieza musical. Puso como antecedentes a Cortázar y a Amenábar. Zilberman le da la razón pues como dijo en unas declaraciones que alguien leyó: Tomé los tres primeros movimientos (Adagio, y dos Allegros) como primer acto. Me serví de las variaciones (Andante y Presto) como segundo acto, y utilicé, por último, los dos últimos movimientos (Adagio y Allegro), de una gran violencia musical, para el clímax de la película.

 

Se habló de que el poema de Elliot, que se lee en la película, aporta claves para entenderla, ya que incluye una reflexión temporal: el pasado está siempre en el presente. Somos lo que hemos vivido y hemos vivido, además de lo forzoso, lo que hemos decidido. En frase de Pau Casals: "La música es un millón de noes y sólo un sí". La vida, también. Hablando de Casals, se consideró muy ilustrativa la anécdota –verídica– que se cuenta sobre él, cuando se le reprocha su insinceridad por haber alabado una interpretación deficiente, y Casals reivindica, entonces, la singularidad que es mucha veces un indicio de la genialidad al recordar el inusual movimiento del arco sobre el violoncelo. "Sólo un estúpido subrayaría el error, lo que cuenta es la originalidad interpretativa". Todo un aplauso a la creatividad.

 

Hubo quien consideró que la película podía tener un mensaje ideológico conservador una sutil carga moralista, que se pondría de manifiesto en la condena del adulterio "¿Cómo has podido hacer eso?", le dice Daniel a Robert cuando conoce su infidelidad, en la claudicación de la hija, Alexandra, en su rebeldía, y en la apoteosis del éxito en su formulación más afín al capitalismo. Hasta en el momento final, cuando Peter tiene que abandonar, pues la torpeza manual a la que le ha llevado el  Parkinson le impide seguir a sus compañeros de cuarteto en su interpretación, se alcanza el éxito, ya que Peter recibe un aplauso generalizado. Se supone que el concierto inacabado con el que acaba la película cosechará también un gran éxito, por el que se orillan todos los conflictos de los músicos que la película ha hecho aflorar y que no se resuelven en ella. Nada impide que la nueva etapa que se abre con la marcha de Robert sea, también, una etapa de éxito pues, como enseñan las más prestigiosas escuelas de negocio, se ha hecho una impecable transmisión de poderes en la empresa.

 

Se inicia pues una nueva etapa del cuarteto, en la que sus componentes aceptan la renovación el rapado de la barba de Robert es una metáfora de ella y cierran las partituras para dar más emoción a sus interpretaciones. Como se recordó, no en vano "tocar de memoria" se dice en inglés "play by heart" y en francés "jouer par coeur": tocar con el corazón.

 

 

P.D. Algunas curiosidades sobre la película que se dijeron en el debate:

 

1 ) Zilberman ha dirigido ésta su primera película de ficción a los 42 años.

 

2 ) Se pasó un año preparando esta película con los actores.

 

3 ) Salvo Mark Ivanir (Daniel) ninguno había tocado antes un instrumento de cuerda. Cada uno tuvo un preparador que le orientó acerca  su interpretación musical en la película.

 

4 ) La violonchelista que sustituye a Peter, es la del cuarteto Brentano String Quartet, que interpreta en la realidad la composición de Beethoven.

 

5 ) La fórmula (4+1 ) el cuarteto de cuerdas más el solista cantante  está presente en la película, musicalmente gracias a la esposa de Robert, cuya voz se debe nada menos que a la gran mezzo-soprano, Anne Sofie von Otter  y, en el grupo, de forma menos evidente, gracias a la hija, Alexandra. 

Crónica 91

Por Marta Mora - 27 de Octubre, 2013, 21:09, Categoría: CRÓNICAS

 

 

Crónica  91

La mejor Oferta.

Director: Giusepe Tornattore.

Por Marta Mora

 

En el reencuentro después de las vacaciones, coordinó la tertulia Olga Montón, agradeciendo a quienes nos reciben en el Café Isadora y a sus propietarios.

Olga mencionó las cuatro pulsiones nombradas por Freud: oral, anal, genital y fálica; para tomar las agregadas por Lacan, la invocante (relacionada con el objeto voz) y la escópica (relacionada con el objeto mirada), que son los ganchos con los que atraen a Virgil Oldman a la trampa.

Los dos juegan como en espejo, él se esconde del mundo y ella se esconde de él. Para hacer pasar la mentira, van dejando “miguitas” como las piezas del autómata, un misterio por descubrir. La posición de Clarie  sustrayéndose a la mirada de Virgil provoca el predominio de la voz y a él le desespera. Cuando al fin ella se deja ver le dice: “tienes la cara pálida como un grabado de Durero, con la mirada de una criatura aterrada por el universo, puedo ver mi propio temor en tus ojos”.

A pesar del engaño Olga planteó que algo del amor se jugó, pues permitió a Virgil hacer otra cosa con su vida. El final nos muestra a un Virgil distinto, esperando en un café el encuentro contingente con una mujer.

Posteriormente Olga dio la palabra a la sala donde la película fue objeto de comentarios elogiosos, se agradeció la elección, exquisita, buen guión, final desconcertante. Alguno discrepó tildándola de previsible y muy tramposa.

Alguien se sorprendió por el rechazo de la trampa o el engaño pues el cine es ficción.

Se resaltó que Virgil, que ama la regularidad, lo calculado, lo sin falta, dijera en un momento que lo que más le atrae es la contradicción, refiriéndose al trozo de engranaje en el que advierte que está herrumbrado por arriba y no por abajo como indicaría la lógica. Lo atrapa lo que no anda. Pero su fascinación por la perfección queda eclipsada por el plan para robarle. ¿Es esto o el amor lo que hace que no denuncie? Disfrutaba del placer de tener, a partir del engaño ama lo que le falta, no es un mal final.

Surgieron varios comentarios sobre el final donde se lo ve solo y desolado. Sucedió algo curioso con el final, los más interpretaron que él va a ese restaurante porque ella mencionó que allí fue feliz antes de la muerte en accidente de su novio, esperando en algún momento reencontrarla, va porque ella le dijo:” si algo pasa recuerda que te quiero”…concluyendo que pone el amor por encima del valor de su colección de mujeres. Entonces alguien mostró que fuimos engañados, no por el director, si no por nosotros mismos. No habíamos registrado en ese final una serie de escenas intercaladas…donde se ve a Virgil en una institución, sometido a una extraña terapia, en una rueda que recuerda el estudio de Da Vinci sobre las proporciones del cuerpo humano. Cada uno aprehendió según lo que deseaba o creía.

Fue muy cuestionada “la solución” de la agorafobia de Claire, al ver a Virgil apaleado, sale de la casa sin más, ¡alguien enferma no saldría así! Parece que la trampa y la mentira nos atrapó a casi todos…pues alguien señalo que ella fingía, que no estaba enferma, que su encierro era premeditado para atraer a Virgil. Hubo quien vio en esa escena el temor de Claire por si sus cómplices se hubieran extralimitado y se hundiera el plan.

Los que se dejaron engañar y les pareció muy buena cinematográficamente, vieron dos películas, una en la que se despliega la historia y otra cuando se produce el giro engañador/engañado, la tomaron como una película sobre la mentira y los llevó a mencionar las mentiras históricas, las mentiras de la época, las mentiras de la humanidad, los judíos que iban engañados a los campos de concentración y el engaño se adecuaba a cada sector, si eran pobres les decían que vivirían mejor, más cómodos y a los ricos, que tendrían allí una propiedad. La mentira tiene relación con lo que cada uno cree y le satisface en la vida. Se hizo la comparación con lo que hoy son “story telling”, el cuento que nos venden y que muchos compran.

El personaje que interpreta Donald Shuterland fue muy elogiado, Virgil recibe de él su propia medicina y allí varió la visión de la historia y apareció la venganza como motor de la historia. Cuando Virgil se jubila y se lleva el cuadro que le deja el amigo en su bunker…descubre el engaño. La nota del regalo dice: “para que veas el gran pintor que podría haber sido si hubieras creído en mi”.

Alguien apuntó que enamorarse es construir algo mentiroso. Más allá del valor de la colección de mujeres que lo miran desde los cuadros, él busca “La mujer”, ésa que Lacan advirtió que no existe, existen una por una. A partir de lo que ha evitado toda su vida, el encuentro con una mujer de carne y hueso, abordará otra existencia. ¿Y si un analizante miente? Es que está diciendo su verdad.

La mentira también dio para que apareciera la frase que le dice Donald Shuterland cuando habla sobre las falsificaciones, Virgil es un experto en el arte original: “siempre hay algo autentico en toda falsificación”.

Alguien señalo que habría que diferenciar entre verdad y verosímil, vio la peli como un puzzle perfecto pero tramposo, aclarando que prefiere un puzzle menos perfecto y menos tramposo.

Otro comentó que en la obra de arte hay algo que escapa al autor, la obra de arte es un artificio que esconde un vacio. La primera parte de la película, vemos la pantalla que esconde la verdad, la segunda parte, los objetos que están, dejan de representar lo que representan, ahí la película nos mira a nosotros. Él, en el vacio de su bunker vacio, sin los cuadros, el vacio que intentaba vestir ese hombre. La obra de arte cubre un vacio, lo que da para pensar que la película habla de esto.

Alguien trajo entonces la frase de Borges: “el hecho estético es la promesa de una revelación que nunca se produce”.

Me quedé mucho tiempo sorprendida por este malestar que surgió en la tertulia acerca de la mentira. Al fin y al cabo somos aficionados a un género que se basa en la trampa y el cartón, ¡el cine es ficción! “La mejor oferta” nos muestra la mentira y el expolio, el amor como tramposo y los efectos dolorosos del engaño. ¿Tendrá algo que ver con aquella decepción infantil sobre los Reyes Magos, el Ratoncito Pérez y Papá Noel? O ¿con la metáfora de la época en que vivimos?

Con algunos deseos de intervenir interrumpidos, dimos por finalizada esta concurrida tertulia.

 

 

Crónica 90

Por Marta Mora - 9 de Julio, 2013, 11:09, Categoría: CRÓNICAS

Crónica nº 90

7 Cajas

Directores: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori

Por Marta Mora                                                              

 

Esta cita, en su función de Responsable, la presentó Olga Montón, destacando algunos temas importantes: el amor, la carrera por la vida, la solidaridad, la pobreza, la violencia. De las escenas, la de Víctor mirando absorto una escena de amor en la TV y la risa de la chica, que a él le hace signo de amor. La escena de la apuesta, “el que llega antes a la virgen se queda con el móvil” y el momento de la declaración de amor ininteligible del coreano. Dijo que era una película muy Black Mirrow, serie con la que iniciamos el ciclo 2012/2013.

Las opiniones, en general, fueron: perfección impresionante, no decae en ningún momento, ¿Por qué la elección del título con el número 7? , un suspenso muy social, la carrera por la vida nos tiene sin aliento, la originalidad del mundo de los carretilleros, personajes competitivos para sobrevivir. Difícil de clasificar con toques esperpénticos como llamarle tomates y lechugas al cuerpo troceado que va en las cajas. Preciosa, redonda. El mercado refleja el mundo y se recordó otra película,  “A brazo partido”, que reúne lo antiguo y lo moderno. Se podría considerar como una película de realización de un sueño que tiene para el chico una imposibilidad tremenda y que desde una banal realización del amor, el tema se va moviendo a temas importantes. Momentos en que se atraganta la risa, que es lo real, la muerte, casi teatral. Cuestiona el valor de la vida en cada lugar. Pese al tema no es deprimente aunque los momentos de comedia se nos coagula la risa, se nos atraganta por la presencia de lo real: el amor y la muerte.

Alguien vio la película como una metáfora descarnada de lo que es el Mercado Capitalista, todo es mercancía y las 7 cajas como una mercancía que revela lo que contiene toda mercancía: la muerte. Un cuerpo muerto y despedazado, un funcionamiento donde los sujetos van hacia su propia catástrofe. Las relaciones se diluyen, hay muertes reales, metáfora hacia donde nos arrastra el capitalismo, señalando la escena final como muy potente: el malvado se lleva todo el dinero. La mercancía tiene el valor que cada uno le da.

Otro rescató la importancia del dinero que los mueve a casi todos, el dinero es de primera necesidad para poder parir en un hospital o una medicina para el hijo enfermo.

Otro dijo que lo que vertebra la pulsión es el amor. La ambición del personaje de la tienda, que escapa. La impunidad, la ambición, el carnicero, el tendero. Se contrapone a la ingenuidad, Víctor esta convencido que obtendrá la otra mitad del billete, ignora que aunque así fuera, ese billete carecería de valor para circular. Y con esta mención de la pulsión alguien comentó que es como si la pulsión apareciera enrocada en Víctor, ya no es “ver, ser visto y hacerse ver” sino “ver, ser visto y verse”…se muestra ese goce, a pesar de que estuvo a punto de morir, cuando ante el televisor en la habitación del hospital, se ve en las noticias.

Otro tertuliano indicó que se inventa un lazo solidario sobre la base de la miseria más espantosa, así la chica que no se despega de Víctor, que lo reclama y pelea, la mueve el amor. Hay en un contexto de machismo, la mostración de la picardía e inteligencia de la mujer, ella lo salva varias veces en la persecución.

Alguien arriesgó que la fascinación por el objeto técnico nos da poder sobre el espacio y  el tiempo, la vida y la muerte, y eso nos convierte en dioses.

También se mencionó que el mercado, es la representación de la sociedad actual y su descomposición. No hay nada que funcione, hay una falta de moral generalizada. Muestra como las relaciones personales suplen la descomposición. Rasgo inquietante, la falta de moral del chantajista.

Retomando la película como metáfora del capitalismo, otro comentó como se muestra la desaparición del estado que hace que la necesidad de capturar el dinero sea muy fuerte: secuestros, extorsión, el dinero será así para las necesidades primarias: comer, parto…En el origen del capital está la sustracción, el secuestro. Siempre para circular el dinero tiene que haber sustracción y especulación con el tiempo: trabaja y luego te pago. La atracción que ejerce el goce del móvil apunta a la completud imaginaria. El dinero es la falta declinada así, es propio del objeto tangible un más y un menos.

Pasamos a conversar también sobre el personaje de la hermana de Víctor, una buena mujer,  preocupada por su compañera y tan pobre como ella, le lleva el dinero para el parto, busca al  padre de esa criatura y por ella también llega al desenlace porque que conoce a su hermano. A Víctor lo salvan las mujeres que lo aman.

Alguien comentó que una amiga paraguaya le habló de este inmenso mercado, 14 manzanas en la ciudad capital Asunción, fue filmada en una zona donde no entra nadie. En el mercado no pasa lo que se ve ahí, es una ficción. Y otra cuestión que quiso señalar es que como europeos se desliza en el discurso: “la pobreza está allá”, pero aquí ya hay barrios muy pobres, gente buscando en la basura, la violencia es cercana. Europa ha sido una excepción, lo que sí es verdad es que la gente allí o tiene seguro o dinero o no la atienden y se muere.

Otro dijo que agradecía estar en nuestra tertulia porque no había pensado las cosas así hasta escuchar los comentarios, que era la primera vez que escuchaba hablar guaraní, lo que dio pie para mencionar que es la primera película paraguaya de una pareja protagonizada por actores noveles de la Escuela de Actores de su propiedad.

Sobre la pobreza, es verdad que aquí también aumenta la miseria, dos clics más y la situación será dramática, como toquen las pensiones… ¿de que va vivir la gente? Se sustrajo la sanidad para que circule el dinero.

Otro señaló que en Europa el abandono del estado del bienestar está enmarcado en un proyecto que es el de la homogeneización. Que el dinero es una ficción, lo real son el amor y la muerte.

Cerramos la tertulia con el último comentario de quien dijo,  Europa me recuerda a la Armada Invencible de Cervantes, donde un pueblo es saqueado por un rey, por una casta política y una justicia que les roba. Y se quedaron, por razones de tiempo, algunas palabras sin dar.

Como el año pasado, nos despedimos hasta setiembre con unos canapés exquisitos preparados por nuestros amigos hospitalarios, y ya tertulianos, del Café Isadora.

         Para finalizar les transcribo una anécdota que cuenta el director: “El Mercado 4 parece encantado con el retrato y ha devuelto el favor. “Algo maravilloso pasó: en el corazón del mercado hay una cuadra entera en la que están pirateadas todas las películas, hasta la que salió hace una semana en EE.UU. Sin embargo, tenían un cartel que decía: «Aquí no tenemos la película 7 cajas. No insista, carajo». Lo pusieron en Internet y para nosotros fue un orgullo enorme porque asumían la película como suya”, recuerda Maneglia”.

¡¡¡Gracias a todos!!! Y ¡¡hasta Septiembre!!

 

 

Marta Mora

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